domingo, 21 de diciembre de 2014

Juyma Estévez Trío: Océanos de porcelana (Free Code Jazzrecords, 2014)


Escasamente un año después de haber finalizado sus estudios en el Conservatorio Superior de Música del País Vasco, el contrabajista Juyma Estévez se lanza a la publicación de su primer álbum como líder. Para esta primera referencia se acompaña de dos músicos muy activos en la escena jazzística de Galicia, el pianista Alberto Vilas (del que hace pocos meses reseñamos su segundo disco como líder Crónica Cromática - Free Code Jazzrecords, 2014) y el baterista Max Gómez (del que reseñamos su participación como sideman del disco Home -Free Code Jazzrecords, 2014- de Felipe Villar)

Hay quien piensa que publicar una referencia discográfica con temas propios poco después de acabar los estudios musicales es algo precipitado. Que se debe girar, coger experiencia, tocar los standards… No lo sé, yo tengo mis dudas. Entiendo a lo que se refieren y es respetable, incluso lógico, pero yo creo mucho en la expresión sin perversión, en la creación real siguiendo los instintos. A lo que me refiero es que si un músico intuye o cree que debe expresar algo, porque no hacerlo. Otra cosa es que sienta de verdad la necesidad. En este disco, el autor tiene muy buena formación, pero lo más importante es que tiene algo que decir y transmitir, para lo que usa la técnica aprendida para dejar que todo fluya sin artificio. No se trata de hacer una obra maestra, se trata de ser uno mismo. Océanos de porcelana (Free Code Jazzrecords, 2014) son entrañas. Historias de una vida. Fluye la armonía y la improvisación. Juyma Estévez, según se puede intuir en las notas del libreto, parece querer dejar atrás un ciclo de su vida para empezar (en caso de encontrarlo) otro. Y los que escuchamos este disco percibimos sentimientos, pero no exactamente los que el autor transmite. Recibimos, transformamos y los hacemos nuestros. Y la música es un perfecto conductor.

Alberto Vilas se desmarca del trabajo que realiza en su quinteto. Si que se le puede reconocer, tiene su propia marca, pero al ser composiciones ajenas, parece como si el músico estuviera descargado de responsabilidad y se le puede escuchar comodísimo. Tiene un alto porcentaje de protagonismo en el disco sin hacer sombra a sus dos compañeros. Juyma Estévez realiza un trabajo poco habitual dentro de un trío de jazz tan clásico en instrumentos, hay algunas introducciones solo al contrabajo, largas improvisaciones y muy buenos acompañamientos. Trabajo excelente. Alguna de sus intervenciones hablan por sí solas, hay casi lágrimas en algunas, alegría contenida en otras. Y en relación a Max Gómez, a destacar su sonido, después de escuchar dos discos en los que participa, descubro que tiene un sonido particular, la batería suena cruda, su estilo se mueve entre el más clásico pero pasado por un filtro moderno, en sus pocas intervenciones como solista realiza un trabajo muy contenido, así como el disco reclama, y las baquetas golpean las notas justas, sin pasarse de rosca. Buen trabajo.

En definitiva, buenas composiciones más bien ortodoxas, cercanas al jazz clásico con algunos ramalazos de música clásica pero sonando actual. Buenas interpretaciones de los tres músicos. Muy disfrutable de principio a fin. Ah, y como dice el autor “Cuando hay magia aparecen los nueves, que haya nueves no implica que exista magia” pues eso.

Reseña escrita para la revista digital Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz
 
© Jesús Mateu Rosselló, 2014

Juyma Estévez Trío: Océanos de porcelana

Alberto Vilas (piano) Juyma Estévez (contrabajo), Max Gómez (batería)

“Regreso a Donostia” , “Montañas de holas a Dioses” , “Vaste Queimar” , “Nostalgia” , “O Rhythm dos Monstros” , “Nos ollos de Lílian” , “Primeros pasos” y “La casualidad de mi vida II”

Todos los temas han sido compuestos por Juyma Estévez

Grabado el 16 y 17 de abril del 2014.

Editado por Free Code Jazzrecords

miércoles, 17 de diciembre de 2014

Forces Elèctriques D’Andorra “Cambra Obscura” (Sa Possessió. Palma de Mallorca 12.12.2014)


Lloc: Sa Possessió. Palma de Mallorca
Data: 12 de desembre de 2014

Formació:
Tià Mas: electrònica i efectes
Tomeu Canyelles: guitarra
Jordi Martínez: guitarra i teclat
Llorenç Balaguer: baix i electrònica
Joan Cabot: batería


Fa uns dos anys, més o menys, vaig descobrir la pàgina web 40 putes. I la vaig descobrir a través d’una ferratina que vaig veure a un cotxe (sí, les ferratines serveixen!). Em va cridar l’atenció i vaig navegar a veure que sortia. Actualment forma part de les quatre o cinc webs fixes que servidor mira per informar-se en matèria cultural. I perquè dic tot això? Clar, perquè una de les madames d’aquesta imprescindible web es el Sr. Joan Cabot, que a la vegada es el bateria del grup que vaig poder veure (no veure) el passat dissabte a Sa Possessió de Son Rossinyol, les Forces Elèctriques D’Andorra, també anomenades com a F/E/A. Completen la formació: Tià Mas (electrònica i efectes), Tomeu Canyelles (guitarra) Jordi Martínez (guitarra i teclat) i Llorenç Balaguer (baix i electrònica)

Quant m’informen que presenten el seu nou disc Pastor, d’entrada ja em ve de gust veure com està la moguda mallorquina perquè, tot i consultar la web anomenada i de informar-me regularment, tenc l’assignatura pendent d’anar a veure més concerts de músics de la nostra illa. Si, ho sé, es el de sempre, i per això ho estic arreglant poc a poc. No fa gaire vaig anar a  la segona edició de Ca D’Altri que organitzà Altraveu amb les actuacions de Hombre Lobo Internacional, Zelisko Band i Roig! (crònica aquí). Així que decideix pegar un bot amb un grup de sis manacorins amb ganes d’experimentar aquest concert – performance amb el títol de “Cambra Obscura” del que avisen al seu facebook “Vos recordam que no es recomanable que assistiu al concert si patiu claustrofòbia o problemes d’ansietat. La performance -és relativament curta –entre 30 i 35 minuts-, però un moment iniciada, no podreu sortir de la sala” i al blog del projecte expliquen: “La idea central és enfrontar el públic a la ceguera total, a experimentar un concert de rock sense cap mena d’estímul visual ni cap mena de missatge textual que pugui tenir influència en la percepció de les cançons més enllà de la música en sí mateixa”. en el meu cas, creix l’expectativa.

A les 21.15 més o menys, ens fan passar a una petita cambra molt poc il·luminada. Una vegada tota la gent està ben assegura, ens avisen que no podrem sortir una vegada començada la performance. Si hi ha ganes de descarregar, aquella es la darrera oportunitat. Tothom es queda quiet. Ens expliquen que s’apagaran els pocs llums que hi ha i quedarà tot a les fosques. A la part de davant de la cambra, hi ha dos grans altaveus que seran els que reproduiran el concert que el grup interpretarà des d’una altra cambra. El motiu d’aquesta performance, explica en Joan Cabot, es que volen que la gent experimenti un concert de F/E/A sense cap interferència visual i fa una breu explicació així com havien deixat constància al blog. Dons tot apunt perquè comenci.


S’apaguen els llums. La cambra obscura fa que cada espectador es senti sol. Silenci absolut. Es comença (mes be s’incrementa) a crear atmosfera a través de sons electrònics. Son pràcticament circulars cosa que fa que s’entri dins un bucle que poc a poc es desfà per seguir amb l’atmosfera. Poc a poc es va incorporant tota la banda i comença el festival de sensacions individuals. Cambra Obscura és la privació de la perversió visual. Un dels primers pensaments que acudeix a mi durant la intervenció es: Som incapaços de escoltar música avui en dia? Ja ho he escrit en varies ocasions, la gran majoria de gent sent música, no l’escolta detingudament. Els trenta o trenta-cinc minuts son un viatge personal a través de la música de F/E/A que exerceix de conducte per furgar dins nosaltres i descobrir.... i crear... i pensar. Cada persona gaudeix (o no) del concert d’una manera 100% única. En el meu cas personal, son trenta-cinc minuts de imatges de la meva vida. No necessàriament dures ni complicades. Son situacions quotidianes. Em sent molt agust. Si hi hagués una càmera de infrarojos es podria veure com gaudeix. Torn a dir la paraula. Atmosfera. F/E/A utilitza la intensitat. A vegades, el caos sonor dibuixa. O fa que dibuixis. Agressives reflexions ens exciten el cervell i ell, agafa autonomia i produeix imatges... o bufetades de pintura... o deserts... La serenor també arriba. En certa manera es un descans entre jo i la música...

Acabada la performance, ens informen que si ens ve de gust, podem anar a veure la pròxima actuació a la cambra on hi ha els músics i aquesta vegada gaudir del mateix concert de manera visual. I que passa? Que les sensacions que un percep a les fosques no tenen res a veure amb les sensacions visuals. Està clar que es una evidència, però la diferència es tan gran que fins i tot pareixen dos concerts diferents. Influeix la proximitat dels músics. La calor que desprenen. Observar com produeixen tots els sons que abans ens han fet pensar, somniar... fins i tot quasi delirar. I clar, surt la pregunta, de quina manera es gaudeix més? Jo diria que no hi ha resposta correcta. Son dues opcions completament diferents. Igualment vàlides però que obren el debat i ens fan recordar que el més important, diria que pràcticament l’únic important, es la música. Tots els aspectes que sobresurten poden ser interferències innecessàries (o no)


En definitiva, una experiència enriquidora. Quasi espiritual. S’està perdent un plaer suprem. Escoltar música no es el que entén la majoria de gent en l’actualitat. S’ha de trobar temps per dedicar-hi tot els sentits. Escoltar. Tant de manera visual com amb els ulls tancats.

Texte i Foto: © Jesús Mateu Rosselló, 2014

domingo, 14 de diciembre de 2014

Alberto Arteta Group: BAT (Moskito Records, 2014)


Hace muy poco comentaba que la escena jazzística de Barcelona está en un muy buen momento artísticamente hablando. Concretamente decía que hace ya muchos años que no para de crecer con muchísimos músicos de indudable calidad. Entonces, todo esto se puede aplicar perfectamente al jazz que se realiza en el País Vasco. ¿Nombres? Kike Arza, Jorge Abadías, Iñaki Salvador, Hasier Oleaga, Mikel Azpiroz, Mikel Andueza, Josetxo Goia-Aribe… efectivamente, todos ellos excelentes y de diferentes generaciones. Entonces, aunque ya hace años que se le puede ver en diferentes proyectos como sideman (Kike Arza Quinteto, Max Canalda Cuarteto…) o como componente de grupo (Caraband, Anaut…) Alberto Arteta presenta su primer disco como líder, concretamente como Alberto Arteta Group. BAT (Moskito Records, 2014) es el título del disco que nos ocupa y este se ha podido grabar y distribuir gracias a los IV Premios BBK Jazz “Impulso” y que sale a la luz mediante el reciente sello discográfico Moskito Rekords.

Alberto Arteta forma un quinteto compuesto por Jorge Abadías (guitarra) Satxa Soriazu (piano) Kike Arza (contrabajo) y Juanma Urriza (batería) con la colaboración especial de Ion Celestino (trompeta) en los temas nº 4 y nº 7. Además, recibo con muchísimo placer una edición en vinilo*. El mejor formato posible para escuchar música. Y para más Inri es una preciosa edición de color blanco, así que una vez en mis manos, realizo el ritual: cojo el vinilo delicadamente, lo coloco en el plato, coloco la aguja en el principio del LP. Start – Stop. Empieza la magia.

No he tenido el placer de escuchar los otros grupos que se presentaron al concurso mencionado, pero sí puedo decir que los ganadores tienen una calidad más que evidente. Tal vez no sea una apuesta muy arriesgada en su concepto musical, pero en el fondo estamos hablando de Jazz, y este disco respira jazz por todos sus costados (eso si algún día sabemos definir qué es exactamente el Jazz). Temas largos (todos ellos composiciones de Alberto Arteta salvo la introducción y conclusión de “O Grobe Lieb / Berandu Baino Lehen” de J.S. Bach) que son expuestos con pasión, profesionalidad y calidad técnica. Como el mismo Arteta comenta en la entrevista publicada también en Tomajazz “Intenté que fuese un disco ‘fácil de escuchar’ para todo el público, que la complejidad que puedan tener las canciones no fuese algo evidente y sonase fácil” y es una definición bien acertada ya que es verdad que los temas entran a la primera, como si nada, y en breves escuchas puedes tararearlos, pero detrás de la aparente sencillez, hay un muy buen trabajo de composición, lectura, ensayo… y cómo no, buena improvisación de todos los músicos.

Alberto Arteta, al ser el líder, es protagonista destacado en todo el álbum, cosa que me parece muy lógica y coherente. Además, no trata de hacer interminables solos queriendo demostrar su técnica, no, me refiero a que interviene durante gran parte del álbum tanto en la exposición de melodías como en sus improvisaciones (sin ser algo desmesurado) siendo evidente su liderazgo. Ah, y sí, tiene muy buena técnica. En las improvisaciones demuestra que tiene infinitas ideas y las desarrolla haciendo que parezca fácil. Un músico que está en pleno ascenso.

Los cuatro músicos que acompañan a Arteta en este proyecto cumplen sus funciones de la mejor manera. Absolutamente todos realizan un trabajo muy solvente tanto en las labores de acompañamiento como en las de improvisación, y evidentemente en la exposición de las melodías. Y por cierto, me parece un acierto el ir introduciendo las improvisaciones de la siguiente manera: “Sagundilla” saxo y piano; “Gregor Samsa” saxo, guitarra y batería; “Song For Aitziber” contrabajo y saxo; “Garazi Gauak” trompeta; “Bat” piano y saxo; “On Pedro” contrabajo, piano y saxo; “Nekaezina” saxo y trompeta; “O Grobe Lieb / Berandu Baino Lehen” saxo. Por cierto, a destacar el trabajo de Kike Arza al contrabajo. Potencia es la palabra que mejor describe su trabajo. Y además, durante todo el álbum, aparte de sus improvisaciones, realiza un acompañamiento perfecto.

Para acabar quiero hacer un inciso acerca de dos temas. En “Garazi Gauak” la intervención de Ion Celestino me parece ejemplar. Su improvisación es completamente sorprendente al no intuir en ningún momento hacia donde puede tirar. Muy expresiva, hay una historia en ella. Tal vez es uno de los mejores temas y realmente se desmarca un poco del concepto de todo el álbum, aunque bien pensado y escuchado no me parece mal su inclusión. Y en relación al tema “O Grobe Lieb / Berandu Baino Lehen”, Arteta se acerca a la música clásica interpretando en el principio y conclusión del tema la melodía de “O Grobe Lieb” de J.S.Bach pero intercalando entre medias un solo de saxo, un tema arriesgado e ideal para despedir. Tal vez estos dos temas son una pista de por dónde podría tirar este saxofonista en un futuro. En todo caso, los ocho cortes son pero que muy recomendables.

Reseña escrita para la revista digital Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz

© Jesús Mateu Rosselló, 2014

Alberto Arteta (saxo tenor) Jorge Abadías (guitarra) Satxa Soriazu (piano) Kike Arza (contrabajo) y Juanma Urriza (batería) con la colaboración especial de Ion Celestino (trompeta) en los temas nº 4 y nº 7.
“Sagundilla”, “Gregor Samsa”, “Song For Aitziber”, “Garazi Gauak”, “Bat”, “On Pedro”, “Nekaezina” y “O Grobe Lieb / Berandu Baino Lehen”

Todos los temas compuestos por Alberto Arteta excepto “O Grobe Lieb” compuesto por J.S.Bach.

Grabado los días 7 y 8 de marzo de 2014 en Garate Estudios (Andoain)

Editado por Moskito Records

*Hay que precisar que la edición en vinilo, por cuestiones de espacio, solo alberga seis de los ocho temas, por esta razón, si se opta por este formato, viene incluida la edición en CD.

domingo, 7 de diciembre de 2014

Banda Sonora: Pedrá (Extremoduro - del álbum Pedrá, 1995)

(Banda Sonora. Sección para dar a conocer las canciones que considero forman parte de mi vida o sencillamente aquellas que me producen una sensación especial)


Extremoduro: Pedrá (del álbum Pedrá, 1995) 



Tendría unos doce o trece años cuando escuché por primera vez a Extremoduro. El disco en cuestión era Agila (DRO, 1996). Como muchos, quedé drogado automáticamente. Desde ese momento, y a parte de un paréntesis que tuve en mi vida en la que abandoné prácticamente cualquier tipo de música para centrarme casi únicamente a la música Rap, nunca he dejado de escuchar las canciones de Extremoduro y es que muchas de ellas tienen aquella virtud que consiguen muy pocas: Nunca envejecen.

Pero no voy a hablar del primer disco que se cruzó en mi camino (aunque creo que son pocos los que dudan de que es uno de sus mejores trabajos), no, voy a hablar de Pedrá, que curiosamente conocí con muchísimos años de retraso. Era el típico disco que sabía exactamente lo que era, es decir, una única canción que rozaba los treinta minutos, pero que por circunstancias de la vida que nunca se saben, aquel disco se quedó sin un oyente hasta que más o menos en el año 2006 o 2007 cuando por fin le di una oportunidad. Y precisamente fue en ese año cuando los vi en concierto por primera vez (en Porreres). Concierto demoledor de principio a fin. Los he visto una segunda vez en Bilbao en el año 2012, ya con un formato de concierto mucho más "a lo grande" con más espectáculo, pero que no quita que fuera un concierto excelente y memorable. 

No hace falta hablar demasiado sobre Pedrá. Roberto Iniesta en su estado más puro. Voz rasgada. Letras contundentes. Grosera poesía. Un disco osado y rabioso. El mejor disco de Extremoduro en mi opinión. Solo pulsar play y disfrutar. Impacientes abstenerse.

Enlace:  Pedrá


miércoles, 3 de diciembre de 2014

Underpool: ú. (Underpool Records, 2013)


Hace exactamente un año Underpool nació como sello discográfico y como estudio de grabación. Dedicado a la música jazz y a las músicas improvisadas, ayuda a los músicos a grabar sus proyectos de forma independiente, y aparte, apuesta por realizar producciones propias creando una serie de álbumes en volúmenes, en los que se invita a diferentes músicos a una sesión de estudio donde se graban sus composiciones escritas para la ocasión. El disco que vamos a reseñar está en la segunda categoría. Me comenta Sergi Felipe que estas sesiones se preparan con poco tiempo. Se convoca a los músicos con un mes de antelación para dos o tres días de estudio. Cada músico aporta una o dos composiciones originales escritas para la ocasión. Los mismos músicos se encargan de los correspondientes arreglos, y sin previo ensayo, se encuentran en el estudio donde se reparten las partituras arregladas y cada autor dirige su composición. A partir de aquí se pueden grabar una o dos tomas, o incluso más si se trata de tema complejo.

Ú (Underpool, 2013) es el primer disco del sello y el primero de la serie de volúmenes. Y vaya si empiezan con buen pié, y es que los músicos convocados son de lo mejorcito de las nuevas hornadas (algunos bien consagrados) de la escena barcelonesa. Atención a la formación: Marcel.li Bayer (saxo alto, clarinete bajo y flauta) Sergi Felipe (saxo tenor, flauta y flauta alto) Iván González (trompeta, fliscorno y trompa) Josep Tutusaus (trombón) Marc Cuevas (contrabajo) y Carlos Falanga (batería)

La verdad, es realmente increíble la cantidad de años que hace que esta escena no para de crecer, y cada año puedes descubrir nuevos músicos y muchos de ellos de calidad incuestionable. Este primer volumen consta de nueve temas (en el pie de página se indican las autorías) y estos se mueven por diferentes derroteros. Es un disco muy homogéneo. Por poner algunos ejemplos, puedes encontrar piezas con mucho sabor a jazz clásico como “Set Up”; temas como “Barjaules” que tiene cierto aire a Miles (sin querer copiar ni mucho menos) y que por cierto, me parece una de las mejores piezas. Parece contar la historia de alguien en diferentes etapas y la utilización del clarinete bajo y flauta le dan un toque muy especial;  “Mezzanine”, nombre muy de ataque masivo,  contrasta con la bella balada que nos brinda la formación, hipnotizadora en la exposición de la melodía y con maravillosas y delicadas improvisaciones; e incluso, entre los temas del disco, hay una suite en tres movimientos, “I Ventura”, “II Tres” y “II Sineu”, que transita tranquilamente por el free jazz. Me atrevo a decir que todo el disco tiene lo que se podría denominar como sonido Barcelona. Al igual que se crean diferentes maneras de utilizar una misma lengua según la región donde uno vive, lo mismo pasa con la música, se percibe aquel sello. Aquel “algo”, aquella “cosa”.

Muy buen comienzo. Se puede crear un catálogo importante de temas originales grabados por excelentes músicos. De momento ya hay el segundo volumen publicado y el tercero y cuarto se van a grabar de manera inminente. Próximamente en Tomajazz.


Reseña escrita para la revista digital www.tomajazz.com Enlace: Reseña en Tomajazz

© Jesús Mateu Rosselló, 2014

Underpool: ú

Marcel.li Bayer (saxo alto, clarinete bajo y flauta) Sergi Felipe (saxo tenor, flauta y flauta alto) Iván González (trompeta, flugelhom y trompa) Josep Tutusaus (trombón) Marc Cuevas (contrabajo) y Carlos Falanga (batería)

“Snus” (de Carlos Falanga), “Smiley” (de Sergi Felipe), “Barjaules” (de Josep Tutusaus), “Mezzanine” (de Marcel.lí Bayer), “Roco y Vita” (de Marc Cuevas), “Suite I Ventura” (de Iván González), “Suite II Tres” (de Iván González), “Suite III Sineu” (de Iván González) y “Set Up” (de Sergi Felipe)

Grabado el 15 y 16 de julio de 2013 en Underpool Studio, Barcelona. Publicado en 2013 por Underpool Records.

viernes, 28 de noviembre de 2014

SAI Trío - Agustí Fernández, Sònia Sánchez e Ivo Sans (Sea Music, Es Baluard 02.09.2014)

Sea Music (Balearic Contemporary Music)
  • Lugar: Museo Es Baluard, Palma de Mallorca
  • Fecha: Jueves 02 de Octubre de 2014. 22:00
  • Formación:
    SAI Trío
    Sònia Sánchez: Baile
    Agustí Fernández: Piano
    Ivo Sans: Batería
SAI Trío “El sueño y la mariposa”
SAI trio 650
Han tenido que pasar diez años para que Agustí Fernández volviera a su tierra, es más, en casi treinta años solo ha actuado en cuatro ocasiones. Y no es por falta de voluntad según me confirma él mismo. Por esto, la cita de esta noche es muy importante para poder ver a uno de los artistas mallorquines más internacionales en su propia casa. Y aunque la asistencia de público no está mal, se echa en falta a más gente. Además, actúan dentro del Sea Music (Balearic Contemporary Music) que lo que pretende es dar a conocer artistas de las Islas Baleares que pueden tener una proyección internacional, y los organizadores invitan a diversos promotores para que puedan ver las actuaciones. Espero que al menos, sirva para que esta formación tan especial, SAI (Sònia Sánchez, Agustí Fernández y Ivo Sans), pueda seguir en activo al menos un tiempo para que la gente pueda disfrutar de un espectáculo que, aunque no lo puedo decir con absoluta certeza, dudo que exista hasta día de hoy.
Sonia Sánchez 1 de 3
Sonia Sánchez 2 de 3
Sonia Sánchez 3 de 3 opción b
El concepto del SAI trío es usar la libre improvisación en dos formas de arte, es decir, en la música y en el baile flamenco (añadiendo dosis de danza contemporánea). Aunque no soy un entendido en el mundo de la danza, realmente creo que no importa, ¿Por qué hay que ser experto en alguna forma de arte para disfrutarla? Lo importante no es una obra en sí, sino lo que esta transmite. Un cuadro puede estar pintado con las mejores técnicas pero si este no transmite nada no me sirve. Me deja indiferente. Entonces voy a intentar definir con palabras lo que Sònia Sánchez realiza en el escenario. Puede que me aleje de lo que es en verdad, o tal vez no sea lo que intenta transmitir, tampoco creo que sea nada concreto. Ahí está la magia. Entonces diría que Sònia es una bailaora flamenca, con todo su carácter, que usa la libre improvisación según la música que le llega y que además, usa la danza contemporánea. La música que producen Agustí Fernández e Ivo Sans, entra por las orejas de la bailaora y automáticamente se pone en funcionamiento todo su cuerpo siguiendo sus propios instintos y aplicando técnicas aprendidas. Y lo que realiza es un absoluto tour de force. Un trabajo impactante y lleno de intensidad. Transmite mucho a través de sus movimientos, de sus miradas, de sus percusiones con los pies… y es que además, durante estas percusiones busca sonoridades diferentes y su trabajo crece en matices. En uno de los momentos más mágicos, contorsiona su cuerpo hacia el piano de Agustí tocándolo con las dos manos durante una bella melodía, como queriéndose fusionar con el instrumento. O tal vez queriéndolo acariciar agradeciendo la bella música.
Agustí Fernández 1 de 3
Agustí Fernández 2 de 3
Agustí Fernández 3 de 3
Agustí Fernández realiza un trabajo soberbio desde el primer hasta el último segundo. La facilidad con la que toca el piano es para quedarse hipnotizado. Agustí es verdad pura. No hay nada que no sea lo que él intenta transmitir. Como el mismo dice en una entrevista publicada en el Diario de Mallorca realizada el mismo día del concierto: “mi música ya no es mi música, es mi vida. No escribo música por escribir. Hago música para explicar mi vida”. Y se percibe perfectamente.

Su trabajo en esta formación, al igual que Ivo Sans, es el de crear un ambiente sonoro improvisado para que este cree los movimientos de Sònia, y el pianista usa muchas vertientes del piano para sacar el máximo partido. Puede ser a través de sonidos o música sin una clara melodía (desde el interior del piano (o no) a través de lo que se podría denominar como piano preparado, aunque no exactamente, es decir, usa objetos de diferentes materiales para obtener sonidos muy diferentes entre ellos), o con una melodía evidente, un ejemplo claro es que durante el concierto se puede escuchar claramente la melodía de “A Moment’s Liberty” (del disco homónimo publicado por Maya Recordings en 2013) tal vez en el ecuador del concierto. Y, a falta de unos pocos minutos para la finalización del concierto, suena otra bella melodía para poco a poco llegar al silencio antes de los aplausos.
Ivo Sans 1 de 3
Ivo Sans 2 de 3
Ivo Sans 3 de 3
Ivo Sans está inconmensurable (la verdad es que los tres lo están) los cincuenta minutos que dura aproximadamente el concierto. El trabajo que realiza puede ser un absoluto desastre si no se ejecuta con verdad, con pasión, y en estos terrenos se desenvuelve a la perfección. Por poner algunos ejemplos, hay que recordar que ha grabado con el mismo Agustí y con Ilan Manouach el disco WRY (Clamshell Records, 2013), y forma parte del Free Art Ensemble (al igual que Sònia Sánchez) entre otros proyectos de free jazz o libre improvisación. Por lo que transita estos lares desde hace tiempo. Y durante el concierto, se le ve tremendamente cómodo haciendo su minucioso trabajo. Algunos podrán pensar que la palabra minucioso se podía cambiar por caótico y es que es lo que parece a simple vista. Ivo Sans puede cambiar la sonoridad de la caja durante el concierto poniendo el pie encima mientras la percute con violencia, puede coger unas seis baquetas y con las manos y crear un pequeño estruendo de madera, así como puede realizar un trabajo percusivo pensativo y muy medido usando las escobillas. Repito, la palabra que creo se acerca más es minucioso. Y los que prefieran caótico, entonces un precioso caos.

SAI es un proyecto arriesgado. Los tres artistas se tiran al vacío explorando nuevas formas de expresión a través de su arte. Puede gustar más o menos, pero la gente también debe arriesgar al igual que SAI trío. No hay que ser conformistas con lo que nos llega. Hay que exponerse ante nuevas formas de expresión. Hay que investigar y descubrir, y sobre todo, abrir la mente y reflexionar. Y hablando de reflexionar, una vez en la cama no puedo pegar ojo. Algo habitual cuando algo me ha impactado o me ha hecho delirar.
En cuanto a Agustí Fernández, nunca voy a desistir en reivindicar a este imprescindible músico.

Crónica escrita para Tomajazz Enlace: Crónica en Tomajazz

 Texto  © Jesús Mateu Rosselló, 2014
Fotos © José Luis Luna Rocafort, 2014

miércoles, 26 de noviembre de 2014

Arturo Mora Trío: Sign Of The Future (Autoedición, 2014 - EP)


Arturo Mora es uno de los músicos más activos de la escena madrileña. Forma parte de muchos conjuntos entre los que se encuentran Tet-Quart, Juan Camacho Quartet, Angel Rubio Jazz Trío o la formación que nos ocupa: Arturo Mora Trío. Arturo Mora (bajo eléctrico y bajo Fretless) Hugo Fernández (guitarra eléctrica) y Enric Castelló (batería)

Para este proyecto como líder, presenta cinco composiciones originales en un formato de trío muy poco habitual. Y estas composiciones tienen una capacidad de la que estoy bastante obsesionado. La capacidad de crear ambiente. Es decir, cuando escuchas un tema, este te puede gustar más o menos, puede contener grandes momentos llenos de intensidad, momentos bellos, interpretaciones perfectas técnicamente, pero hay que ensalzar la capacidad de aquellas canciones que dejan que entres en ellas y que durante al menos los minutos que pueda durar, sientas que formas parte de la historia. Creo firmemente que este EP lo consigue. También tiene sus momentos más intensos y más relajados, aunque sin hacer precisamente demostraciones ni de virtuosismos ni de técnica, ni lo pretende. El disco tiene otro concepto bajo mi punto de vista. Dejar que la música fluya, que vaya siguiendo un curso sin hacer grandes salidas a lo desconocido... Los cinco temas están muy bien elaborados, y dentro de cada tema, hay un desarrollo que puede seguir lo que se podría decir como lógica, pero en ocasiones hay alguna sorpresa en el planteamiento dando un giro momentáneo para finalmente volver a su cauce. En todo el disco hay muchos momentos para la improvisación, mayoritariamente para Arturo Mora y Hugo Fernández. Enric Castelló solo realiza un solo de batería en todo el disco (que aunque es una muy buena intervención, es un tanto excesivo en su duración), y realiza un trabajo estupendo eligiendo ritmos diferentes para cada tema.

Las cinco composiciones están plagadas de influencias. Puede que me equivoque pero yo, de manera muy subjetiva, he percibido dentro de las composiciones retazos de lo que podría ser latin jazz en “Caliban’s Release”, un delicioso drum’n’bass en el ritmo de batería de “The Call Of The Gods” (pieza dedicada al irrepetible Esbjörn Svensson), y me atrevo a decir que hay algo de música árabe en “Wanderings Of The Mind”. También noto influencias de la música rock en diferentes momentos de los temas, incluso blues. Y evidentemente Jazz. Y todo esto que digo puede formar una idea equivocada de la formación al lector. Lo que estoy intentando decir es que dentro del estilo tan personal de este trío, se pueden apreciar todas estas influencias aunadas, licuadas y servidas al consumidor de música.

Reseña escrita para www.tomajazz.com Enlace: Reseña en Tomajazz

© Jesús Mateu Rosselló, 2014

Arturo Mora Trio: Sign Of The Future

Músicos: Hugo Fernández (guitara eléctrica) Arturo Mora (bajo eléctrico, bajo fretless y piano) y Enric Castelló (batería)

Temas: “The Call Of The Gods (In Memory of Esbjörn Svensson)”, “Caliban’s Release”, “What Will We Become?”, “Procrastination” y “Wanderings Of The Mind”

Todos los temas compuestos por Arturo Mora

Grabado en Torrelodones (Madrid) en julio de 2014

miércoles, 19 de noviembre de 2014

Mary Halvorson: Reverse Blue (Relative Pitch Records, 2014)

  
Mary Halvorson es una guitarrista muy activa en la escena de Nueva York. Es poseedora de una discografía de lujo en muy pocos años. Desde sus participaciones como sideman con Anthony Braxton, pasando por el sexteto y otras formaciones del cornetista Taylor Ho Bynum, hasta colaborando con la creme de la vanguardia como Peter Evans, Weasel Walter, Nate Wooley.... Este mismo mes de octubre presenta Reverse Blues (Relative Pitch Records, 2014) Proyecto a cuarteto con la siguiente formación: Chris Speed (saxo alto y clarinete) Eivind Opsvik (contrabajo) y Tomas Fujiwara (batería)

Cuando se cruzan en una frase las palabras guitarra y jazz, el concepto inequívoco que viene a la cabeza de la mayoría es bastante concreto (grave error). y esto evidentemente se puede extrapolar a todos los instrumentos. Entonces oyes a Mary Halvorson y te sorprendes por su planteamiento. En ocasiones por su casi minimalismo al ejecutar melodías, en otras al sonar incluso punk a medio tema e incluso realizando alguna improvisación espectacular. Y no en su rapidez y limpieza (que también), me refiero a su inventiva y búsqueda de diferentes sonoridades. Es tremendamente original en el planteamiento y ejecución de notas secas y cortantes, en la creación de ambiente, en destacar de manera disimulada. Los tres músicos que la acompañan están al servicio de Halvorson interpretando tanto las composiciones de la líder (cinco de las nueve) como las de cada uno de ellos (a una por cabeza salvo Opsvik que aporta dos), en las que claro, hay mucho espacio para la improvisación, y los cuatro aprovechan sus momentos para hacer sonar notas desnudas ante la nada y que estas se paseen y se incrusten si es necesario.

Aunque para mí (muy subjetivamente) el protagonista de esta grabación es el baterista Tomas Fujiwara. Hace unos meses ya reseñamos su último disco a dúo con el cornetista Taylor Ho Bynum y ya me dejó bastante tocado. Es un no parar en toda la grabación. Te paras a escuchar la batería y quedas perplejo ante la avalancha de notas que percute. Pero no es una avalancha sin más, la palabra matiz llega a su esplendor. No hay demostración de técnica ni mucho menos. Hay mucha inventiva pero siempre acompañando a sus compañeros, incluso diría que es algo discreto. Notas la rítmica y su empuje pero solo puedes escuchar el global de su trabajo si te paras a analizar. Quedo a la espera de escuchar su inminente Variable Bets (Relative Pitch Records, 2014) trabajo como líder a trío con Ralph Alessi (trompeta) y Brandon Seabrook (guitarra).

Reverse Blue. Puede que cada tema sea la interpretación de una tonalidad diferente de color azul. Y tiene sentido ya que, aunque cada tema sigue por derroteros muy diferentes, el disco funciona como algo global, como un disco que hay que escuchar de principio a fin. Claro que se pueden escuchar los temas por separado y disfrutarlos, pero escucharlos seguidos es mucho más gratificante. Un disco muy recomendable.

Reseña escrita para Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz

 © Jesús Mateu Rosselló, 2014

Mary Halvorson: Reverse Blue

Músicos: Mary Halvorson (guitarra) Chris Speed (saxo y clarinete) Eivind Opsvik (contrabajo) y Tomas Fujiwara (batería)

Temas: 1. "Torturer's Reverse Delight" (Halvorson) 2. "Reverse Blue" (Halvorson) 3. "Insomniac's Delight" (Fujiwara) 4. "Rebel's Revue" (Opsvik) 5. "Hako" (Halvorson) 6. "Ego Man" (Halvorson) 7. "Old Blue" (Halvorson) 8. "Ordered Thoughts Ceased" (Halvorson) 9. "Really OK" (Speed) 10. "Resting on Laurels" (Opsvik)

Grabado el 6 de diciembre de 2013. Publicado en 2014 por Relative Pitch Records

sábado, 15 de noviembre de 2014

Tarbaby with special guests Oliver Lake & Marc Ducret: Fanon (RogueArt, 2013)

Tabarby with special guests Oliver Lake & Marc Ducret: Fanon



Mi imaginación, guiada por la música, ha creado diferentes estados de ánimo, diferentes paisajes descritos con crudeza, con violencia… incluso he percibido destellos de terror… todo ello en diferentes escenarios… he creado incluso escaleras en las que era difícil poder llegar a la cima. Una vez en la cumbre, la satisfacción. Así mismo he transitado por caminos bien marcados, siguiendo la lógica y el sentido para poco a poco ir saliendo y viajar campo a través durante un espacio de tiempo concreto, sintiendo la libertad, sintiendo el aire fresco en la cara. Cuando ha sido conveniente he vuelto al camino imaginado para llegar al final y concluir. Y es que Fanon es un disco que estimula los sentidos, hay que involucrarse para poder percibir y sentir lo que desprende.

El trío compuesto por Orrin Evans al piano, Eric Revis al contrabajo y Nasheet Waits a la batería amplía su formación con dos colaboraciones especiales para la grabación de este trabajo, el gran Oliver Lake al saxo alto (efectivamente, uno de los fundadores del World Saxophone Quartet junto a David Murray, Julius Hemphill y Hamiet Bluiet) y Marc Ducret a la guitarra. Conforman de esta manera este quinteto ocasional y graban este disco para el sello RogueArt publicado en el año 2013 (aunque grabado en 2011)

Hay que mencionar que el título y el concepto del trabajo, está basado en la figura de Frantz Fanon. Revolucionario, psiquiatra, filósofo y escritor cuya obra fue de gran influencia en los movimientos y pensadores revolucionarios de los años 60 y 70 del siglo XX. En el libreto se menciona el libro “Los Condenados De La Tierra” escrito por Fanon que “fue un libro clave para Ernesto Che Guevara, para los Blacks Panters y, en general, para todos cuantos intentaban derrocar a un gobierno por la fuerza de las armas (o bien eran solidarios con ellos). Pero también fue una lectura fundamental para la Internacional de Resistencia a la Guerra y para multitud de grupos no violentos, conscientes de que era un libro fundamental sobre lo que llama la violencia espontánea”*. Pero quiero aclarar que para esta reseña, hice las escuchas del disco sin conocer esta información por lo que las sensaciones del mismo van por otros cauces. Basándome únicamente en la música. Aunque me parece muy enriquecedor enfocar próximas escuchas aplicando la nueva información.

Los músicos realizan un trabajo minucioso y preciso. Y es que estamos hablando de un quinteto de lujo en el que además, nadie quiere destacar por encima de los otros, no hay demostraciones inconmensurables de técnica (que la tienen) pero ojo, hay un trabajo excepcional de cada uno de los músicos, tal vez se podría destacar al baterista Nasheet Waits, que está a un nivelazo en todo el disco haciendo un trabajo llenísimo de matices y siempre buscando diferentes sonoridades. Y por qué no, Oliver Lake, como grandísimo del saxo, está también en estado de gracia. Pero lo dicho, me parece que todos están a un nivel espléndido. Y es que te pones a mirar las discografías de los cinco músicos y te quedas con la boca abierta, absolutamente todos han formado parte de grandes conjuntos. Y en este trabajo no bajan para nada su nivel y conforman esta selección de once temas, y dentro de estos encontramos muy buenas composiciones (las autorías de las cuales están muy repartidas) y excelentes improvisaciones. Y como se puede imaginar, estas rompen los esquemas de lo ortodoxo y como decía anteriormente, te guían y transportan, y te hacen partícipe si estás dispuesto. Sencillamente un disco excelente.

Como dato curioso, el sello RogueArt utiliza el mismo diseño de portada para todas sus publicaciones. Como pueden observar en la carátula, es un diseño muy simple pero muy elegante. Y la verdad es que es un contraste curioso ya que los discos que van publicando son muy libres en el aspecto musical. ¿Tal vez se intenta proteger cualquier tipo de prejuicio aunque solo venga desde la vista? No lo sé, lo que está claro es que hay muy buen criterio eligiendo los músicos.

Reseña escrita para la revista digital Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz

© Jesús Mateu Rosselló, 2014

Tabarby with special guests Oliver Lake & Marc Ducret: Fanon

Músicos: Orrin Evans (piano) Eric Revis (contrabajo) Nasheet Waits (bateria) Oliver Lake (saxo alto) y Marc Ducret (guitarra)

Temas: “Small Pieces… Tiny Pieces” , “Black Skin White Mask” , “Fanon” , “Between Nothingness And Infinity” , “The Re-Created Man” , “Is It Real” , “O My Body” , “Liberation Blues” , “FLN Stomp” , “…Shall We Not Revege?” y “One Destiny”

Grabado por Katsuhiko Naito en Brooklyn Recording Studio and Systems Two Studio (New York, USA) en el mes de Septiembre de 2011.

Editado por RogueArt

*Texto extraído de un artículo de Josep Torrell publicado en la página web www.rebelión.org enlace: http://www.rebelion.org/noticia.php?id=118788 en relación al documental: "Frantz Fanon, memoria de asilo" de Abdenour Zahzah y Bachir Ridouh.

domingo, 9 de noviembre de 2014

Banda Sonora: I Can't Go To Sleep (Wu Tang Clan - del álbum The W, 2000)

(Banda Sonora. Sección para dar a conocer las canciones que considero forman parte de mi vida o sencillamente aquellas que me producen una sensación especial)

Wu Tang Clan: I Can't Go To Sleep (del álbum The W, 2000) feat. Isaac Hayes

En mis años de fracaso de bachiller recuerdo haber escuchado este tema trescientas mil veces. Recuerdo buscar la letra (la web era www.ohhla.com) y después intentar traducirla (con algún traductor, que mi inglés era y es nulo). Recuerdo que me impactó muchísimo ya que no se trata de un tema para nada habitual en el mundo del rap, es más bien un especie de versión del tema "Walk On By" de Isaac Hayes (que también participa) y que por cierto, no descubrí hasta muchos años más tarde (que era una versión me refiero). La exposición del tema, la intensidad de la música, el rapeo-flow utilizado, y sobretodo la letra.... para mi es una pequeña joya en la discografía de estos ninjas del rap.


"Don't kill your brother, learn to love each other
Don't get mad.. cause it ain't that bad
Look at who you are.. you've come so far
It's in your hands, just be a man
Get the jelly out your spine!
Cobwebs, out of your mind"

Enlace letra en Ohhla.com: I Can't Go To Sleep
Enlace video: I Can't Go To Sleep
Wu Tang Clan : I Can't Go To Sleep


Isaac Hayes: Walk On By
 Enlace video: Walk On By

lunes, 3 de noviembre de 2014

Marco Mezquida Trío (XIV Festival Alcudia Jazz. 27.09.2014)

XIV Festival Alcudia Jazz
  • Lugar: Auditorio de Alcudia
  • Fecha: Sábado 27 de Septiembre de 2014. 22:00
  • Formación:
    Marco Mezquida: Piano
    Marko Lohikari: Contrabajo
    Carlos Falanga: Batería
Marco Mezquida Trio
Marco Mezquida hace tiempo que ha dejado de ser una promesa para convertirse en una realidad. En los últimos años se ha consagrado perfectamente en la élite del jazz y a día de hoy es un pianista solicitadísimo. Aparte de sus proyectos como líder, como el Marco Mezquida Trío o su fértil piano solo, forma parte de múltiples formaciones tanto como sideman como co-líder, ahí están ejemplos como el nuevo y flamante quinteto de Ernesto Aurignac, el cuarteto de Julián Sánchez, el trío de Juan Pablo Balcázar, los duetos con Jorge Rossy, Massa Kamaguchi, Celeste Alías y un larguísimo etc de colaboraciones de altura. Esta noche actúa dentro del XIV Festival Alcudia Jazz acompañado por sus dos amigos y compañeros (como el mismo presenta) Carlos Falanga a la batería y Marko Lohikari al contrabajo.
Marco Mezquida reflejo byn
En relación a estos dos músicos, hay que comentar que Carlos Falanga está dentro de la movida barcelonesa (al igual que Mezquida) y es uno de los bateristas más activos. Precisamente me comenta acabado el concierto que la última semana ha sido de absoluta locura para él realizando siete actuaciones seguidas, una de ellas con la Orquestra Sinfónica y Coro del Gran Teatro del Liceu interpretando West Side Story (con solo tres días para estudiar las partituras). También abre cada miércoles las Jam Session del imprescindible bar-local Robadors 23 de Barcelona, aparte de tener otros muchos proyectos en camino. Y en relación a contrabajista Marko Lohikari la verdad es que tengo poquísima información y eso que vive en Mallorca desde hace unos tres años. Por lo que he podido descubrir, antes de venir a la isla estuvo viviendo en Barcelona colaborando con multitud de artistas, entre ellos Albert Vila, Marc Miralta, Victor de Diego, Oscar Peñas, David Xirgu… Todos de sobrada calidad. Y visto lo visto, sin duda es un muy buen contrabajista.
Una vez bien digerido y asimilado el concierto de Dorantes hace escasas dos semanas en el mismo recinto y también dentro de la programación del XIV Festival Alcudia Jazz, estoy preparado para enfrentarme al trío de este magnífico pianista.
Marko Lohikari
Empieza el concierto con una breve introducción a piano solo para seguidamente enlazar con una versión del standard “Let’s Cool One” del gran soñador de notas Thelonious Monk. Y la versión es puro swing. Del que no puedes dejar de moverte. Mezquida realiza improvisaciones con una soltura y una elegancia fuera de serie, y como es evidente, no hace nada parecido al estilo Monk (el inimitable), claro que suena la melodía conocida, pero todo pasado por el filtro Mezquida Trío. Y las intervenciones de Falanga y de Lohikari son contundentes, músicos muy consagrados que se sienten comodísimos. Acabado este tema tan swingueante, Marco Mezquida cambia el chip completamente y realiza otra introducción a piano solo, pero en esta ocasión de corte muy clásico (refiriéndome a la música clásica) y es que la formación del pianista sale a flote y la verdad es que deslumbra, imagino que es pura improvisación para poco a poco enlazar con el tema “Dama De Nit” del primer disco del trío My Friend Marko (Fresh Sound New Talent, 2013)… bella melodía, bella interpretación e improvisación. Cada pulsación es la justa para expresar algo, no hay nada artificioso ni nada parecido, es la belleza en forma de música. Siguen con “Checkpoint Charly” y “My Lady Loves Me In E-Flat” todas del mencionado disco y llegado a este punto, hay que incidir en un aspecto. Hablando con los amigos de Jazzinmallorca y con Jose Luís Luna, que han podido asistir a unos dos o tres conciertos más del trío en un breve espacio de tiempo, me comentan que hay un mundo entre cada concierto, es decir, coincidiendo algunos temas, estos se transforman cada vez que son “interpretados” y siguen cursos muy diferentes. Y no solo en estos temas, también en el global del concierto. Imagino que todo influye. El recinto, el estado de ánimo, el cansancio, la alegría, la estimulación propia o ajena… pues bien, los temas mencionados brillan en todo su esplendor. Los músicos acuden a las melodías compuestas, salen de estas para mirarlas desde la distancia, y desde la distancia, pueden recoger algunas de las notas y las pueden ejecutar haciendo que la melodía se intuya pero suene transformada en otra cosa. A mí personalmente me dejan conmocionado.
Carlos Falanga solo
Sigue el concierto y ojo porqué Mezquida presenta “Menguant”, tema compuesto el día anterior. Y Antes de empezar, Marco explica que ha entregado la partitura a sus compañeros el mismo día del concierto, por lo que hace escasas horas. Pero estos músicos son todo terreno y se acoplan a la partitura sin problemas (más bien diría lo contrario, hay estimulación) y el acompañamiento que realizan es acorde a la composición. Posiblemente grandísima parte del tema es improvisado, pero los tres músicos tienen aquel don que hace que todo lo que sale de sus instrumentos se acople y suene de maravilla. Ya son cinco años de actividad conjunta por lo que se conocen a la perfección (¿telepatía?). Siguen con el tema “Always late” nuevamente de My Friend Marko y el tema entra por mis oídos como una exhalación. Uno de los mejores momentos de la noche. Gran tema a gran velocidad. Un disfrute. “Lluna Nova” y “Agusti For President” cierran el concierto. La primera, al igual que “Menguant” es una nueva composición y la segunda es el homenaje que realiza el trío a uno de los máximos exponentes del jazz y de la libre improvisación en España, el gran Agustí Fernández que por cierto fue profesor de Marco Mezquida y Carlos Falanga en el ESMUC de Barcelona. Y el tema es uno de los más free de la sesión con momentos de libre improvisación absolutamente geniales en los que se desenvuelven perfectamente bien. Un homenaje precioso a este grandísimo músico. Al final del tema, Carlos Falanga se queda solo en el escenario realizando un solo de batería bastante largo (tal vez unos cuatro minutos) en los que no hay nada de grandes estruendos ni grandes demostraciones de técnica ni nada parecido, más bien son unos minutos de improvisación calmada, desarrollando muy buenas ideas con sumo relax hasta que vuelven a entrar sus dos compañeros y realizan el único bis del concierto. Y sorprenden con una versión de “Tree Little birds” de Bob Marley. Y como podéis imaginar, es una versión absolutamente libre en la que se escucha perfectamente la melodía archiconocida pero los tres músicos transforman por completo el tema haciendo que suene a ellos, dando su esencia y convirtiendo lo que era reggae en jazz (o no, según se mire). Durante la intervención Marco Mezquida coloca dos panderetas encima de las cuerdas del piano. Él mismo me explica que las coloca en un lugar estratégico del arpa para crear un sonido metálico que se produce por vibración con el martilleo/percusión de las cuerdas. Busca nuevas sonoridades para enriquecer su música y lo consigue con creces. Y efectivamente, suena de maravilla.
Marco Mezquida pandereta
Acabado el concierto, de casi dos horas de duración, hablo brevemente con los tres músicos. Desprenden humildad y amor por su música. Espero que este trío nos depare más entregas tanto discográficas como en directo. Es un placer para los sentidos.
Crónica escrita para la revista digital Tomajazz Enlace: Crónica en Tomajazz
Texto  © Jesús Mateu Rosselló, 2014
Fotos © José Luis Luna Rocafort, 2014