martes, 4 de octubre de 2016

Banda Sonora: Left Myself Behild (Toy - del single Left Myself Behind, 2011)

(Banda Sonora. Sección para dar a conocer las canciones que considero forman parte de mi vida o sencillamente aquellas que me producen una sensación especial)



Los pasados días 2 y 3 de septiembre se celebró en el recinto de Son Fusteret (Palma de Mallorca) el festival Solar Nit. Me parece oportuno retomar la sección Banda Sonora para añadir uno de los grupos que actuó en esta cita anual. Hablo de los británicos TOY que me encandilaron con su primer single “Left Myself Behind” en el  año 2011. Canción que no está incluida en su primer álbum homónimo del año 2012 y que es un auténtico temazo en toda regla. Para intentar etiquetar al grupo podríamos decir que recibe influencias de post-punk, algo de psicodelia, elementos indie y la curiosa etiqueta: shoegaze (el significado es algo así como mirar fijamente los zapatos refiriéndose a que los integrantes del grupo miran hacia abajo mientras actúan).

Nada más, es preferible que escuchen el tema en cuestión. Sin duda, uno de los temas que forman parte de mi banda sonora.


Enlace "Left Myself Behind"


 

martes, 20 de septiembre de 2016

Indie Sound Festival: The Last Dandies, Jane Yo y Midnight Walkers (08.01.2016. La Red. Palma de Mallorca)

El pasado 8 de enero de 2016 se celebró la primera edición del Indie Sound Festival en la Sala Red de Palma de Mallorca. Los amigos de El Món del Rock junto con Music Culture vieron materializado su proyecto con un notable éxito de público y de calidad musical a través de tres propuestas locales cercanas a la música indie, concretamente y por orden de actuación: Midnight Walkers, Jane Yo y The Last Dandies. Entonces, a la hora acordada, un servidor llegaba a la mencionada Sala Red (enhorabuena por los primeros meses de vida por cierto) que empezaba a albergar numeroso público. El omnipresente Jose Luís Luna aconsejaba unos pequeños cambios en los focos de escenario para un mejor resultado en las fotografías. Pasados unos pocos minutos subían al escenario los primeros protagonistas y empezaba el festival.

Midnight Walkers - Víctor Rivera 

Midnight Walkers tuvieron la siempre difícil papeleta de ser los primeros en subir al escenario e intentar que el público se acercara, cosa que sucedió pasados unos cuantos temas. El grupo ofreció un concierto notable en el que presentaron los temas del que será su debut discográfico con un EP que se hace esperar (dados algunos comentarios y miradas en el escenario). Pudimos disfrutar de temas como “Overpass”, “The Same” o “Sometimes”. Entonces, estamos hablando de una banda muy joven pero con las cosas claras en materia de sonido. Se pueden etiquetar dentro del movimiento indie-rock, efectivamente, pero no tiene porque ser algo definitivo. En algunos momentos parecía más una mezcla de muchos más ingredientes. Lo que está claro es que la música que ofrecieron buscó la conexión con el público para que se dejara llevar, y claro, empezaron a moverse los cuerpos por orden de la música.

Un aspecto bastante curioso y poco común es que aunque el grupo tiene como voz principal a Manuel Ramos, en algunos de los temas intervino Victor Rivera y la percepción que tuve como espectador fue que el grupo hacía un cambio sustancial en cada ocasión. Al cantar de manera totalmente diferente había un cambio de registro. (¿Tal vez cada músico canta sus propios temas?) Lo que digo no tiene porque ser bueno o malo, solo es una apreciación. En todo caso, un grupo que hay que tener muy en cuenta a partir de ya mismo. Quedamos a la espera del EP anunciado.


Jane Yo - August Cortés

Después de su paso por el Solar Fest, subían al escenario los integrantes de Jane Yo para ofrecerP All The Clocks (Autoedición, 2015) y del inminente segundo EP. Y la propuesta de Jane Yo diría que está bastante alejada de la música Indie. Mucho más cercana al rock alternativo con elementos (más bien destellos) electrónicos. Un conjunto que materializa en el escenario un ambiente sonoro en el que (si uno está dispuesto) hay que entrar, es decir, no juegan a ofrecer algo fácilmente digerible. Hay que disfrutar de sus posibilidades sonoras más que por lo que se ofrece encima del escenario, por otra parte, en mi caso es evidente que si hay que elegir, la primera opción es la más importante. Entonces, el concierto transitó por estos terrenos. Para el que escribe, terrenos en los que uno se siente a gusto. Creadores de atmósferas en las que se juega con subidas y bajadas de intensidad. Presentaron canciones como “Running away”, “Memories” o “That place”.

 Jane Yo - Miquel Blai

En definitiva, hay ganas de ver cómo va evolucionando Jane yo en sus próximas actuaciones y lanzamientos discográficos. Precisamente me comentaba Miquel Blai que el segundo EP está grabado, siendo cuestión de tiempo su salida al mercado. Y ya que sale el nombre del baterista, resultó curioso el contraste en el escenario entre su enérgica y vibrante actuación con el resto de la formación. Por cierto, hubo algunos problemas técnicos en materia de sonido pero el grupo solventó la papeleta de la mejor manera.

The Last Dandies - Toni Cobretti

Llegaba el turno de The Last Dandies. Los de Toni Cobretti subían al escenario en última instancia para seguir presentando su último álbum Mañana (Primeros Pasitos, 2015) publicado hace justo un año. Ya lo decía el amigo Pinxo (Mallorca NochentasEspora Records) hace unos días. Es difícil ver últimamente a The Last Dandies en los escenarios por lo que era una ocasión perfecta para llenar el vacío. Y como era de esperar, no defraudaron en absoluto. El grupo es una bomba de relojería que cada vez que se junta explota y transforma su música en cuchillos afilados (por cierto, eché de menos el tema “Huye de la gente”). Digo esto porque si uno escucha los tres trabajos publicados por el grupo, se dará cuenta de que están perfectamente grabados y con un sonido notablemente limpio. Entonces, lo que ofrecen en el escenario es completamente diferente (en el buen sentido). Da la sensación de estar metidos en una burbuja junto a la banda, y ésta, a raíz de la música del grupo, hace que la música rebote y te penetre en todas direcciones. 

The Last dandies - Jordi Herrera 

Sin limpiezas. Sucia como la vida misma. Hay que dejarse llevar y entrar, o dejar que la música te lleve y te deje caer al vacío.  Canciones como “Que bien te sienta el color”, “Soy un extraño” o “Viajar al futuro nos ha ayudado tanto” del disco comentado, pero también revisiones de sus primeros EP’s como “Summer 1917” o “ha ha ha”, este último por cierto, auto re-versionado dándole un acabado casi noise. Pensándolo bien, este aspecto sucedió en muchos de los momentos de su actuación. En definitiva, una actuación envolvente. Sucia. Agresiva y altamente adictiva. Esperemos que el grupo reflote en materia de número de actuaciones, desde Notodoesindie los recomendamos encarecidamente.

Para acabar la crónica conviene mencionar que el mismo día del festival, había otras propuestas altamente interesantes como el concierto de Trance, Dos Kinien y Drama en la Sala Sabotage o la actuación de Hattori Hanzo Surf Experiencie en el Maraca Club. Y otras propuestas que seguro que olvido, por lo que conviene decir que el éxito todavía es más palpable. Enhorabuena a los organizadores por hacer posible algo tan complicado en estos tiempos de desinterés cultural. Esperamos otra edición.

Texto: © Jesús Mateu Rosselló, 2016
Fotos:© José Luis Luna Rocafort, 2016

lunes, 12 de septiembre de 2016

Miki Serra: Relatos Cortos 2 (Espora Records, 2016)



El pasado mes de enero de 2016 publicaban en la revista digital La Ganzúa mi reseña en relación al segundo disco del músico mallorquín Miki Serra. Hablo de Relatos Cortos 2 (Espora Records, 2016). Así que recupero el enlace directo de la reseña en el blog.

Para leer la reseña podéis clicar en este enlace: Reseña Relatos Cortos 2

martes, 6 de septiembre de 2016

Matthieu Donarier: Papier Jungle (Yolk Records, 2015)



Nueva publicación del trío del saxofonista Matthieu Donarier tras Optiptopic (Yolk Records, 2004) y Live Forms (Yolk Records, 2009). Recibimos y tenemos el placer de poder reseñar Papier Jungle (Yolk Records, 2015) grabado los días 10, 11 y 12 de julio del año 2014 en Guidel (Francia). Completan la formación Manu Codjia (guitarra eléctrica) y Joe Quitzke (batería)

Las composiciones (e interpretaciones en las tres versiones) del líder Matthieu Donarier para Papier Jungle, ante todo, buscan la conexión entre músicos. Hacer de la experiencia un global sonoro en el que la música, al igual que los dos pájaros de la portada, alza el vuelo. Y aunque sea una osadía (o una irresponsabilidad) decir o afirmar lo siguiente, digo que si hay que considerar una evolución de la música catalogada como jazz, este es uno de los caminos a seguir. Escucho el disco y pienso en jazz (muchos no lo verán así). ¿Por qué? Para mí es evidente, hay libertad creativa sin estar atada a los cánones habituales. No existen las estructuras muy marcadas y evidentes (no es que no existan, pero no resultan previsibles). Lo que sí existe es la transmisión de ideas. De experiencias que conjugan. El saxo de Donarier, continuamente nos cuenta una historia y claro, esta viene secundada por Manu Codjia (que confecciona un núcleo esencial del sonido definitivo) y por Joe Quitzke (que confecciona acertados ritmos ricos en matices y diferentes sonoridades. Sin sobresalir, adaptándose al todo). El trío nunca pretende hacer ninguna demostración de técnica. Es evidente que la poseen, y precisamente por este hecho se permiten la creación de este mundo sonoro.

Un trabajo sobresaliente. Que precisa el buceo del que escucha. Que explica, cuenta e improvisa experiencias. Con apreciación hacia la melodía, pero también hacia la exploración de otros parajes. Y aunque no pretendía destacar ningún tema, me derrito ante la versión que realiza el trío de “Piece Froide” de Erik Satie. Brillante.

Reseña escrita para la revista digital Tomajazz Reseña en Tomajazz: Enlace reseña

Matthieu Donarier Trio: Papier Jungle

Músicos: Matthieu Donarier (saxos), Manu Codjia (guitarra), Joe Quitzke (batería)
Composiciones: “Bleu Celeste”, “Foggy She Walks”, “In Fine: Ashes”, “The Hunt”, “La Lugubre Gondole”, “Limbs”, “Hobo Track” y “Piece Froide”

Todas las composiciones son de Matthieu Donarier excepto: “Bleu Celeste” de Alban Darche, “La Lugubre Gondole” de Franz Liszt y “Piece Froide” de Erik Satie

Grabado los días 10, 11 y 12 de julio del año 2014 en Guidel (Francia). Publicado en 2015 por Yolk Records.

miércoles, 24 de agosto de 2016

Cartel + Info: SOLAR NIT: Toy, L.A., Fujiya & Miyagi, Joan Miquel Oliver, Kero Kero Bonito, Chucho... (2 y 3 de septiembre. Son Fusteret)

El Solar Nit se celebrará los próximos días 2 y 3 de septiembre en el recinto de Son Fusteret (Palma de Mallorca). Este año, como anunciaba la organización hace unos meses, el festival se reinventa e intenta amoldarse a la realidad de la isla de Mallorca. Hay un pequeño paso atrás para intentar que el SOLAR crezca poco a poco. En todo caso, y en mi opinión, la propuesta es interesante sobretodo por los dos cabezas de cartel. por una parte TOY, grupo que ando reivindicando desde que escuchara por primera vez allà por el 2012, justo antes de sacar su primer LP y que ya disfrutamos en el Mallorca Rocks justo antes del concierto de Kasabian (¡qué gran noche!). Por otra parte los mallorquines L.A., que sí son profetas en su tierra y es el momento perfecto para ver la grandísima evolución de los de Luis Alberto Segura.

También podremos disfrutar de otras propuestas como las de: Kero Kero Bonito, Fujiya & Miyagi, Joan Miquel Oliver, Lili's House, Ten Bears, Indian Summer... entre otras.
 
En definitiva, aquí el cartel oficial del evento.
 
Para comprar las entradas:  www.solarnit.com/entradas

 

martes, 23 de agosto de 2016

Dani Comas: Epokhé (Underpool Records, 2015)

 
 

El Estival de Jazz de Igualada se está convirtiendo en un referente en modestia y calidad musical. Olvídense de grandes presupuestos y grandes estrellas mediáticas del jazz mundial. Mucho mejor. El Estival de Jazz apuesta por músicos en pleno ascenso a los que, además, les brinda la grandísima oportunidad de presentar sus proyectos con total libertad. Hablamos de la “carta blanca”. Cada año la organización invita a un músico para que presente su proyecto con total libertad, y que además, graba para su posterior publicación. En la primera ocasión el invitado fue el baterista Ramon Prats, y el resultado fue el extraordinario Pandora (Autoedición, 2013). Para la segunda ocasión, el invitado es el protagonista de esta reseña, el guitarrista Dani Comas (del que hemos reseñado su participación en Underpool 2)
 
Epokhé (Underpool Records, 2014) es la “carta blanca” que Comas presenta acompañado del baterista David Xirgu y del bajista Jordi Matas. El sello discográfico encargado de la publicación es Underpool Records, que no para de publicar buenas referencias. Sin ir más lejos, publicaba este mismo año el disco a piano solo y en directo Live in Terrassa del menorquín Marco Mezquida.
 
El proyecto de Dani Comas consta de tres partes bien diferenciadas. Tres temas a solo, tres temas a dúo y tres temas a trío, en los que la guitarra de Comas es el hilo conductor. El músico y compositor realiza un trabajo muy coherente durante todo el álbum, dejando claro que su proyecto se aleja de cualquier virtuosismo buscando más la emoción del momento. Implicando al público en la escucha. Un proyecto de estas características, y aunque a veces me repito hasta la saciedad, necesita concentración total para poderse percibir correctamente. No quiero decir que sea un proyecto “difícil” pero creo que vale la pena hacer esta pequeña sugerencia. Además, a mi modo de ver, entiendo que el disco es de los que necesita, por parte del oyente, la escucha de principio a fin. Estamos hablando, en definitiva, de un concierto muy específico y los temas, aunque claro que se pueden disfrutar individualmente, ganan peso y contundencia con la escucha seguida del disco. Coloquen el  en el reproductor y olvídense de todo. Solo caminen. Imaginen y huyan.
 
En relación a los acompañantes, hay que decir que David Xirgu realiza un trabajo excepcional durante los seis temas en los que participa. Su intervención parece ser completamente improvisada de principio a fin. Digo esto porque dentro de su función esencial, la de crear ritmo, se las ingenia para prácticamente no repetir notas, para acompañar de manera ejemplar al guitarrista y dar la sensación de libertad creativa. Me parece un baterista que no tiene la repercusión que debería.
 
Finalmente, entra en juego en los tres últimos temas el bajista Jordi Matas, Que dota al conjunto de profundidad aplicando las notas justas para crear este ambiente sonoro sin destacar. Sin realizar ninguna intervención solista. Manteniéndose omnipresente para crear un nuevo escalón en el sonido ascendente del álbum.
 
Desde Tomajazz damos la enhorabuena al Estival de Jazz de Igualada por dar continuidad a esta bella propuesta anual. Y es que el jazz es (o debería ser) libertad, y la denominada “carta blanca” acrecienta más si cabe esta sensación. El músico crea sin perversión. Solo la que pueda crearse él mismo, que visto lo visto, es nula. Quedamos a la espera de la publicación del próximo disco que ha contado con el mallorquín Toni Vaquer. Otro músico en pleno ascenso y que recomendamos encarecidamente.

Reseña publicada en la revista digital Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz
 
© Jesús Mateu Rosselló, 2015
Dani Comas: Epokhé
 
Músicos: Dani Comas (guitarra) David Xirgu (batería) Jordi Matas (bajo eléctrico)
 
Composiciones: “Cançó no començada”, “Obertura no acabada”, “Divago”, “Buscant el drama erràticament”, “Si jo fos…”, “De western amb el pare – un retret: SING”, “Si jo fos, i no sóc”, “Ama” y “Soundcheck”
 
Grabado el 27 de junio de 2014 en el Teatre de L’Aurora dentro de la programación del Estival de Jazz de Igualada.
 
Publicado por Underpool Records.

miércoles, 27 de julio de 2016

cartell + info: Rock amb Elles. Satellites, Da Souza, The Goodness, Ska Bottom Boat i Dirty Appetite (12.08.2016 Sencelles)

 
ROCK AMB ELLES 2016

Us presentam el ROCK AMB ELLES, la segona edició del festival que nosaltres organitzam a Sencelles, l'any passat sota el nom de SenceRock.
Aquest any comptam amb 4 grups de primer nivell de l'illa de Mallorca:


- satellites (Indie-Rock experimental / Hippy-Punk)
- DA SOUZA (Pop-Rock / Indie)
- The Goodness - Punk (Punk-Rock / Alternative)
- Ska Bottom Boat (Ska/Instrumental)

La cita és dia 12 d'agost a les 22.00h, a l'accés de l'Escola Nova de SENCELLES.

GRATUÏT

Tindrem beguda, menjar i paradetes de roba.
ORGANITZA: El món del ROCK i Ajuntament de Sencelles
COL·LABORA: BN Mallorca, Mallorca Music, Runaway Música.

martes, 14 de junio de 2016

Banda Sonora: Tortura-visión (Hamlet - del álbum Insomnio, 1998)

(Banda Sonora. Sección para dar a conocer las canciones que considero forman parte de mi vida o sencillamente aquellas que me producen una sensación especial)

  
Hamlet: Tortura-visión (del álbum Insomnio Zero Records, 1998)

Los que me conocen desde hace muchos años conocen de mi debilidad por Hamlet, y aunque me hubiera gustado asistir a más conciertos de la formación, he podido disfrutar unas cuatro o cinco veces del brutal y arrollador directo del grupo. Entonces, en un ejercicio nostálgico puro y duro, me dispongo a realizar un viaje a los años del acné (asqueroso) adolescente, a los de salir de marcha para pillar cacho (y no pillar una mierda), a los de ver de cerca algunas drogas y pasar de ellas (en mi caso claro), a los de escuchar música por el símple placer de hacerlo o a los de colocar el cd en el reproductor y escuchar la música, seguir las letras, mirar i re-mirar los libretos de los discos... en fin, años que normalmente se recuerdan de la mejor manera, aunque con sus frustraciones y deslices.... Entonces, a lo que voy es, que en aquellos años, descubrí los primeros discos de Hamlet y rápidamente me enamoré de su estilo, de sus reivindicaciones "¡animales maltratados por la codicia!", de sus arrolladores temas en los que uno se podía auto-desnucar... del contraste entre la agresividad de su música y el mensaje de respeto de sus canciones...

Uno de los temas que más me tenía obsesionado era el que sitúo en la banda sonora de mi vida, es decir, "Tortura-visión" del imprescindible álbum Insomnio (Zero Records, 1998). Una arrolladora crítica a la telebrasura. Letra directa, sin adornos, dejando claro su postura. y es que en aquellos años empezaban a despuntar los programas ultracotillas, y claro, Hamlet tenía claro que "Distraer a base de cotillear en la vida social declarar todo su amor en un puto plató" y en los que reivindicaban "Dejadme pensar, no quiero visionar, dejadme pensar, acaso no lo ves, dejadme pensar, dejadme pensar...

No me enrollo más, escuchad (o recordad) el temazo inmortal "Tortura-visión". Por cierto, la telebasura no ha hecho más que aumentar desde aquellos años. en mi caso, hace unos años que no miro nada a parte de lo que considero que es cultura verdadera.



Enlace "Tortura-visión"


lunes, 30 de mayo de 2016

Cartell + info: MANACOR JAZZ (el pròxim 25.06.2016 Saló d'Art Independent Manacor SAIM. Manacor)

 

El pròxim 25.06.2016 es celebrarà el MANACOR JAZZ a Saló d'Art independent de Manacor SAIM (Carrer Miquel Servet, 10 de Manacor). Després d’unes setmanes de feina organitzativa (junt amb els amics de Altraveu), hem pogut confirmar la participació de sis músics mallorquins que com molts de vosaltres sabreu, son autèntics experts en els seus instruments. I com sol passar, no son tan fàcils de veure junts damunt un escenari de Mallorca. Alguns d’ells viuen a Barcelona, altres viuen a Mallorca però continuament viatgen per tocar a altres indrets... en definitiva, vos present el cartell de l’esdeveniment (que ha confeccionat en Diego Ingold) i els músics que tocaran repartits en dos trios, el primer d’ells inèdit. Al final dels dos concerts hi haurà una JAM SESSION OBERTA, es a dir, els músics que vulguin tocar amb aquestes bèsties, ho podran fer. També comentar que de 19:00 a 20:00 i entre actuacions, l’amic Abel Peset Arias aka HABEL ens punxarà música en discs de vinil.

Trio 1: Pep Garau (trompeta) Llorenç Barceló (hammond) Teo Salvà (batería)
Trio 2: Tomeu Garcias (trombó) Josep Munar (guitarra) Joan Garcias Tur (contrabaix)

Gràcies per la col.laboració de Faqtoria Muntaner, SAIM i Altraveu !!!!

El preu de les entrades es de 7,00€ i heu de contactar directament amb jo, o be a través de un missatge privat de facebook, un missatge whatsapp o be per telèfon (616.34.12.88)


martes, 24 de mayo de 2016

Nettwork: Stanley Jordan, Casimir Liberski, Charnett Moffett y Jeff "Train" Watts (XXI Mallorca Jazz Sa Pobla. 04.08.2015)

XXI Festival Mallorca Jazz Sa Pobla
  • Lugar: Plaza Mayor de Sa Pobla
  • Fecha: Martes 4 de Agosto de 2015. 22:30
  • Formación:
    Nettwork
    Stanley Jordan
    : guitarra eléctrica
    Casimir Liberski: piano acústico y teclado
    Charnett Moffett: bajo eléctrico
    Jeff “Train” Watts: batería
Cabe decir que las impresiones y reflexiones de un asistente a un concierto siempre vienen precedidas de circunstancias ajenas a la música. Y puede que estas influyan tanto positiva como negativamente. Pero no estoy muy seguro. También creo que si la música tiene la suficiente magia, la suficiente conexión para que durante el recital sólo exista la música, nada puede parar el placer individual (y colectivo). Digo esto porque aunque la primera jornada de la XXI edición del Mallorca Jazz Sa Pobla cuenta con la formación Nettwork (Charnett Moffett al bajo eléctrico, Stanley Jordan a la guitarra eléctrica, Jeff “Train” Watts a la batería, y Casimir Liberski al piano) lo que sucede en el escenario, bajo mi punto de vista, está falto de conexión. De producir emociones. De, entre las notas perfectamente ejecutadas, añadir  otros elementos imperceptibles a la simple escucha. Puede que el que escribe tal vez esté en una situación de cansancio mental (y físico). O puede que sólo busque escusas para justificar mi decepción.
 
A la hora anunciada, y con una excelente asistencia de público, suben al escenario los cuatro integrantes de Nettwork. Empieza el concierto del denominado supergrupo.
 
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Charnett Moffett, muy activo (hiperactivo realmente) durante todo el concierto. Ejerce, nunca mejor dicho, el liderazgo del proyecto. Con evidentes dotes para ello aunque con un exceso de afán de protagonismo tanto en sus intervenciones interminables como en sus gestos. Efectivamente es poseedor de una técnica excelente, bien, pero entre las miles de notas no veo nada. No siento aquella conexión imprescindible.
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Stanley Jordan, a todas luces el músico más reclamado por los asistentes, ejerce las labores de sideman sin querer en ningún momento destacar. Todo lo contrario. A las órdenes de Moffett, se mantiene tranquilo. Dejando sutiles detalles de su magnífica técnica (nunca abusando de ella). Hay un aspecto contradictorio que hay que comentar. En un momento del concierto, realiza un solo de guitarra que me parece irresistiblemente bello. Pero que en mi opinión, no tiene nada que ver con la música del proyecto. Quedo con ganas de más Jordan.
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Jeff “Train” Watts, verdadero motor de cuarteto, realiza una soberbia actuación. Resulta impresionante la cantidad de variantes que utiliza durante las dos horas y media que dura el concierto. En los dos primeros temas, parece sumamente concentrado. Con semblante muy serio. Y precisamente la percepción que percibo en el inicio está acorde con la cara de Watts. Pero en un momento determinado, y prácticamente hasta el final, Watts cambia radicalmente. Aparece la sonrisa infinita. Y las baquetas percuten. Y vaya si percuten con vida propia. Solo para verlo a él, merece la pena todo el concierto.
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Casimir Liberski, el más joven del denominado supergrupo, realiza una actuación un tanto tímida. Si que se puede observar que tiene buena técnica al igual que se puede entrever que usa elementos un tanto más contemporáneos que sus compañeros. Pero quedándose a medias. Me da la impresión de que puede ofrecer algo más.
 
En definitiva, el proyecto Nettwork se podría intentar definir como un grupo de jazz-rock (hay algo del sonido de los setenta) con algo de fusión, y aunque es muy respetable y tremendamente profesional, carece de alma y conexión entre músico y público. Algunos asistentes puede que se echen  las manos a la cabeza ante esta afirmación poniendo como ejemplo el final del concierto, con parte del público bailando junto a los músicos en el escenario (a petición de Moffet). Y aunque me parece un gesto amable hacia el público, entiendo que la música tiene poco que ver con este final apoteósico. Lo percibo como una manera de acabar en todo lo alto. Un truco demasiado fácil.
 
Un amante de la música se deleita y siente hordas de placer ante momentos puntuales y magistrales, pero este no un concepto definitivo para el resultado global de un concierto. En todo caso, siempre hay que dar la enhorabuena a los responsables del Mallorca Jazz Sa Pobla. Sin duda el esfuerzo es titánico para que sobreviva un festival de estas características.

Crónica escrita para la revista digital Tomajazz Énlace: Crónica en Tomajazz
 
Texto:  © Jesús Mateu Rosselló, 2015
Fotografías: © José Luis Luna Rocafort, 2015

viernes, 13 de mayo de 2016

Langui: Hola (Autoedición / Rosevil, 2015)



El pasado mes de diciembre de 2015 publicaban en la revista digital La Ganzúa mi reseña en relación al primer disco en solitario de Langui: Hola (Autoedición / Rosevil, 2015). Así que recupero el enlace directo de la reseña en el blog.

Para leer la reseña podéis clicar en este enlace: Reseña en La Ganzúa

 

lunes, 9 de mayo de 2016

Michele Lordi: Drive (Autoedición, 2015)

 
 
En el mes de diciembre de pasado año, la cantante Michelle Lordi grabó y publicó su segundo álbum como líder: Drive (Autoedición, 2014) junto con Larry McKenna (saxo tenor), Tom Lawton (piano), Madison Rast (contrabajo), Dan Monagan (batería) y de manera especial Orrin Evans (piano en los temas (“My Ship”, “I Fall In Love Too Easily” y “Drive”) que además es el productor del disco.
 
Elegancia es la primera palabra que viene a mi cabeza al acabar de escuchar el disco. Los diez cortes de Drive (Michele Lordi, 2014) contienen esta cualidad no tan fácil de conseguir y que no hay que confundir con sensaciones parecidas pero realmente alejadas. Intuyo que previamente a la confección de los dos discos publicados hasta la fecha, hay un estudio (escuchar es estudiar) intenso de las grandes vocalistas de la historia del jazz. Asimilando lo que hicieron en momentos determinados de la historia y a través de ello, conseguir sonar como un homenaje pero mirando al presente. Es evidente el sonido clásico del álbum, pero repito, sin sonar demasiado añejo. Introduciendo pequeñas variantes. Dando personalidad a través de la voz y de la música. Bien pensado, estas palabras más bien las aplicaría a siete de los diez temas del disco. Digo esto porque hay que mencionar la participación del peso pesado Orrin Evans. Muy a destacar el papel que desempeña el pianista. A parte de las labores de producción, participa en tres de los temas (“My Ship”, “I Fall In Love Too Easily” y “Drive”). Y precisamente estos son los que más se alejan del clasicismo comentado. Acercándose a un sonido más vanguardista. Elevando el proyecto. Dándole aquel ingrediente especial que lo diferencia de otros similares. Sin menospreciar a Tom Lawton que, dentro de una zona más segura, no deja de realizar un buen trabajo. Hay que decir que el resultado de estos tres temas está un paso por delante del resto. En cuando escucho el disco repetidas veces, mis emociones se descontrolan y vibran cuando aparece Evans. Su estilo tan personal se amolda perfectamente a los otros músicos (exceptuando “I Fall In Love Too Easily” dúo de piano y voz), y lo dicho: crean tres pequeñas joyas.
 
Aunque es evidente que Drive es un proyecto bastante compacto, entiendo que está presente esa pequeña descompensación de la que hablo. Aun así, me parece un proyecto notable, serio y respetuoso con los años dorados del jazz vocal. Eso sí, no puedo evitar pensar que sería muy interesante un proyecto con Orrin Evans de manera íntegra.

Reseña escrita para la revista digital Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz
 
© Jesús Mateu Rosselló, 2015
 
Michelle Lordi: Drive

Músicos: Michelle Lordi (voz) Larry McKenna (saxo tenor) Tom Lawton (piano) Madison Rast (contrabajo) y Dan Monagan (batería). Orrin Evans (piano en los temas 4, 6 y 10)

Composiciones: “You’re My Thill”, “Imagination”, “True Love”, “My Ship”, “If I only had a heart”, “I Fall In Love Too Easily”, “My Ideal”, “Ghost Of A Chance”, “Now At Last” y “Drive”.

Grabado por Ron Disilvestro en Forge Recording Studios en Diciembre de 2014

lunes, 25 de abril de 2016

Carlos Falanga: Gran Coral (Underpool Records, 2015)

 
 
Gran Coral (Underpool Records, 2015) es el primer trabajo como líder del baterista y compositor argentino (afincado en Barcelona) Carlos Falanga. Efectivamente, uno de los músicos más solicitados de la escena barcelonesa. Miembro del trío de Marco Mezquida (My Friend Marko) y miembro fijo en las sesiones del imprescindible bar-local Robadors 23. Para su debut, el autor conforma un cuarteto de lujo con Marco Mezquida al piano, Fender Rhodes y synths, Jaume Llombart al bajo eléctrico y Jordi Matas a la guitarra.
 
Y son varias las sensaciones y conclusiones que uno saca cuando se ha impregnado del disco en cuestión. En primer lugar hay que destacar la madurez del proyecto. Tal vez por los años que lleva el baterista y sus tres acompañantes en excelentes formaciones, dotan al disco de contundencia en su acabado. Y es que Gran Coral es un disco perfectamente cohesionado. Bien por la sonoridad del conjunto, bien por el exquisito gusto en las composiciones de Carlos Falanga. Estas, no destacan por complejidad, dificultad o virtuosismo. Todo lo contrario. La sencillez funciona como eje central tanto en las mencionadas composiciones como en las improvisaciones. Y precisamente este aspecto es un gran acierto. Los cuatro músicos tienen sobrada técnica, pero bajo la batuta de Falanga confeccionan juntos un trabajo en grupo que se distancia de lo evidente. Los temas funcionan como piezas consistentes e irrompibles. Por poner algunos ejemplos, de manera bien personal digo que “Memory of The Water” me recuerda/transporta al universo de Angelo Badalamenti. Mezcla de belleza y misterio; “Tanino” es una delicada pieza impregnada de música clásica y de una historia personal. O por lo menos, yo creo una; Reconozco rápidamente la melodía de la pieza “Snus” que ya encontrara en el disco ú (Underpool Records, 2013) pero arreglada para esta formación tanto en el aspecto evidente como en el aspecto sonoro; O la preciosa versión que Falanga presenta de “Gran Coral” de Igor Stravinski, que precisamente da título al disco.
 
En relación a los músicos hay que decir que la labor de Marco Mezquida dota al conjunto de una especial sonoridad gracias a que, en la mayoría de los temas, utiliza un teclado Fender Rhodes. El pianista se adapta (como siempre) a lo que pide el autor de manera magistral. Aunque se puede apreciar su estilo al piano, se desmarca notablemente consciente de encontrar el perfecto equilibrio. Jordi Matas, al igual que el pianista, es pieza clave en la sonoridad. Realiza un trabajo perfectamente equilibrado sin querer destacar. Prestándose al proyecto y ejerciendo su papel de la mejor manera. Jaume Llombart al bajo eléctrico, es otro acierto dando al proyecto más sonido eléctrico y ofreciendo cuerpo y solidez. Y el líder Carlos Falanga se olvida de querer destacar por el hecho de ser su disco y se centra más en la composición y dirección del proyecto, eso sí, realizando acompañamientos rítmicos que, al igual que el global del disco, ofrecen aparente sencillez. Pero en realidad, hablamos de un minucioso ejercicio lleno de matices.
 
Gran Coral, en un inicio puede parecer lo que no es. Es un disco que, para disfrutar al máximo, hay que redescubrir a cada escucha. Es de aquellas grabaciones que, una vez acabada la última nota del último tema, vuelves al inicio para escuchar nuevamente el disco de principio a fin. Además, tiene aquella virtud de fusionar la composición y la improvisación. De querer la implicación para descubrir los múltiples y sutiles aromas. Gran Coral es un Gran Disco.
 
Reseña escrita para la revista digital: Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz
 
©Jesús Mateu Rosselló, 2015
 
Carlos Falanga: Gran Coral
 
Músicos: Jordi Matas (guitarra) Marco Mezquida (piano, synths, fender rhodes) Jaume Llombart (bajo eléctrico) y Carlos Falanga (batería)
 
Composiciones: “Tilos”, “Gran Coral”, “Lombardo”, “59”, “Memory Of The Water”, “Snus”, “Blonde”, “Azul”, “Tanino” y “Grown Garden”.

Todas las composiciones por Carlos Falanga excepto “Gran Coral” de Igor Stravinsky
 
Grabado el 7 de abril de 2014 en Casa Murada. Publicado en 2015 por Underpool Records

viernes, 8 de abril de 2016

Banda Sonora: Be Thankful For What You've Got (Massive Attack - del álbum Blue Lines, 1991)

(Banda Sonora. Sección para dar a conocer las canciones que considero forman parte de mi vida o sencillamente aquellas que me producen una sensación especial)

Massive Attack: Be Thankful For What You've Got (del álbum Blue Lines, 1991)

Hace unas semanas los amigos de Notodoesindie me encargaron la confección de una playlist de temática libre, entonces, uno de los primeros flashes (entre otros prohibitivos) que recibí fue la palabra Trip Hop. En la introducción que escribí ya expliqué como llegué a descubrir el estilo por lo que me apetece reproducir un extracto del mismo:

"Recuerdo perfectamente cuando descubrí la música trip hop. Fue mi maestro y mentor, el fotógrafo y DJ Joan Forteza, el que me dejó la edición en cd del Blue Lines (1991) de Massive Attack. Aquella misma noche, dentro de la cama, me escuché este clásico en reproductor de cd que tenía en aquel entonces, y claro, desde el primer segundo se abrió un mundo nuevo para mí. Me impacto muchísimo. Lo escuché en innumerables ocasiones en poco tiempo. Entonces, la consecuencia lógica. Un disco me llevó a otro y así hasta un buen número de ellos"

Entonces, la canción que presento, seguramente no es de las más conocidas. Se trata de "Be Thakful For What You've Got" una versión del tema compuesto por William DeVaughn, en esta ocasión interpretada por Tony Bryan. Poco más, clicad en el enlace y disfrutad como yo lo hice, lo hago y lo haré.

Enlace Vimeo: Be Thankful For What You've Got (videoclip que miré en su momento y que no aparece en youtube por contener un desnudo integral)


 

martes, 22 de marzo de 2016

Lisbon Berlin Trio: The Line (Clean Feed, 2014)

 
 
El guitarrista portugués Luis Lopes lanza su segundo trabajo discográfico como líder del Lisbon Berlin Trío, es decir, Robert Landfermann al contrabajo, Christian Lillinger a la batería y el propio Luis Lopes a la guitarra
 
The Line (Clean Feed, 2014) es un disco bruto y agresivo. Desde la portada se avisa que lo que contiene el disco, para nada pretende ser del agrado de todo el mundo. Un trabajo oscuro. Penetrante. Que a más de uno le puede parecer una locura sin sustancia. OK, toda opinión puede respetarse. Pero no la compartiría. El trío, bajo la batuta del guitarrista, juega limpio (aunque parezca una contradicción). No hay desfachatez ni impostura. Los seis cortes del disco son puros. Con gran fuerza poética. Con gran dramatismo y radicalismo. Muy en consonancia con la actitud y musicalidad del punk. Uno puede perderse y encontrar. O encontrarse y perder la cordura. El disco puede que sea un ejercicio en el que se pone a prueba al que se quiera someter, de igual forma funcionaría a la inversa. Seis únicos temas en los que el trío nos sumerge en su lúgubre ambiente a través de “Dark Suite (Prologue)”. Minutos en los que poco a poco nos dejamos llevar por el grave sonido del contrabajo, que realmente nos retrotrae a una especie de submundo en el que, aunque es algo cercano a lo terrorífico, uno se siente a gusto. “Vértigo” cambia el tempo. El nombre del tema es bien significativo. El tema empieza con melodía obsesiva hasta entrar de lleno en una improvisación de Luis Lopes sobre un ritmo endiablado y esquizofrénico de batería. “Mother Snake” es una absoluta locura de doce minutos en los que la libre improvisación actúa como tal. Tres ejemplos (de los seis) de lo que nos encontramos en el global del disco. Hay que descubrir el cincuenta por ciento restante.
 
La madre serpiente muerde. Nos muerde. Tal vez nos pone a prueba. No es fácil llegar a la concentración necesaria para poder disfrutar en tal torrente de notas agresivamente ejecutadas. Hay que buscar el momento adecuado. Si no se encuentra, mejor olvidarlo. En mi caso personal, entro. Sufro. Me obsesiono. Salgo por momentos cuando hay necesidad de aire. Pero me conozco y vuelvo. Lo necesito.
 
Reseña escrita para la revista digital Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz
 
© Jesús Mateu Rosselló, 2015
 
Lisbon Berlin Trío: The Line

Músicos: Luis Lopes (guitarra) Robert Landfermann (contrabajo) y Christian Lillinger (batería)
Composiciones: “Dark Suite (Prologue)”, “Vertigo”, “Mother Snake”, “Dark Suite (Epilogue)”, “The Line” y “Schwarzwald”

Todas las composiciones por Luis Lopes (excepto “Mother Snake” y “Schwarzwald” por Lisbon Berlin Trio)

Grabado día 25 de mayo de 2014 por Wolfgang Statch en Maarweg Studios. Editado y publicado por Clean Feed

jueves, 10 de marzo de 2016

Juan Pablo Balcázar Septeto: Piragua (MTM, 2015)



Juan Pablo Balcázar es uno de los músicos más activos y solicitados de la escena barcelonesa. Miembro fijo en las sesiones del local Robadors 23, líder de varios proyectos y sideman de múltiples formaciones. A parte, conviene recordar que es miembro (y aquí me toca de cerca por razones nostálgicas) del Kase O Jazz Magnetism o del Rapsusklei & The Flow Fanatiks, conjuntos que buscan (y encuentran) la unión entre la música jazz y el rap.

Aunque han pasado unos meses, es de obligada mención y revisión la publicación de su penúltimo trabajo como líder: Piragua (MTM Colombia, 2014) con una espectacular nómina de músicos, nada más y nada menos que: Miguel Pintxo Villar (saxo tenor), Tom Johnson (trombón), Marco Mezquida (piano), Joan Mas (saxo alto), Gonzalo del Val (batería), Sofía Ribeiro (voz), y el propio Juan Pablo Balcázar (contrabajo)

Y de primeras cabe decir que el disco roza la perfección si hablamos de proyecto concreto. Y lo es por varias razones. En primer lugar, por el respeto con el que el músico adapta ocho temas de música popular sudamericana (el disco comprende nueve temas, el primero de ellos “obertura” es composición del contrabajista y funciona como introducción a todo el proyecto), adaptándola para que desprenda sabor jazzístico. Sin perder fuerza. Al contrario, creando una conjunción realmente vibrante y emocionante. Otra causa es la mencionada formación, que a las órdenes del contrabajista, ofrece su mejor versión siempre dentro del concepto del disco. Sin desviarse a según que parajes. Aproximándose a la mencionada música popular que, aunque no es la propia (en relación al resto de integrantes, sí lo es de Balcazar), consiguen hacer suya y que esta transite y adopte nuevas formas. Sin necesidad de destacar. Ofreciendo un proyecto donde la unión entre los músicos es vital e imprescindible. Y aunque bien pensado podría ofrecer más y más razones, hay que decir que el trabajo de Sofía Ribeiro, aportando su voz en prácticamente todos los temas, está a la altura de las expectativas que levantan sus seis compañeros. Su voz, proveniente del fado portugués, se adapta perfectamente a la sonoridad sudamericana pasada por un filtro jazzístico y claro, aportando su estilo. Aplicando su voz. Que está muy alejada de lo que se entiende (en parámetros generales) como vocalista de jazz. Por lo que más valor al hacer el proyecto más personal.

Se podría decir que Piragua es la conjunción de varias disciplinas perfectamente equilibradas. Dejando para todos un disco que desprende optimismo (en lo que a la música se refiere). Un proyecto bien engrasado y que funciona de manera ejemplar.

Reseña escrita para la revista digital Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz
© Jesús Mateu Rosselló, 2015

Juan Pablo Balcázar Septeto: Piragua 

Músicos: Sofía Ribeiro (voz) Joan Mas (saxo alto) Miguel “Pintxo” Villar (saxo tenor) Tom Johnson (trombón) Marco Mezquida (piano) Juan Pablo Balcázar (contrabajo) y Gonzalo del Val (batería)

Composiciones: “Obertura” (de Juan Pablo Balcázar) “La arenosa” (Cuchi Leguizamón) “La piragua” (José Barros) “A Pique” (Juan Quintero – Aca Seca) “El cigarrito” (Víctor Jara) “Te doy una canción” (Silvio Rodríguez) “La pomeña” (Cuchi Leguizamón) “El pescador” (de José Barros) y “Doña Ubenza” (Chacho Echenique)

Arreglos y producción: Juan Pablo Balcázar

Grabado y mezclado en Laietana Studios (Barcelona, España) Enero 2012 – Octubre 2013. Editado por MTM Ltda.





miércoles, 2 de marzo de 2016

Hamlet (Es Gremi, 23.01.2016)

Crónica del concierto de Hamlet (Es Gremi, 23.01.2016) el pasado sábado día 23 de enero de 2016 en el que presentaron su álbum La Ira (Maldito Records, 2015)

Escrita para la revista digital La Ganzúa. Dejo el enlace para que podáis leer la crónica y más abajo encontraréis algunas fotografías del amigo José Luis Luna Rocafort que no se han incluido en la misma.

Espero que os guste,

Enlace: http://www.laganzua.net/cronicas-conciertos/archivo/Hamlet-Palma-de-Mallorca-2016.php

Texto: Jesús Mateu Rosselló
Fotos: José Luis Luna Rocafort

 
 
 
 
 

jueves, 18 de febrero de 2016

Alejandro Lucas Trío: Azul Cobalto (Autoedición, 2015)



 
Primer disco como líder del guitarrista Alejandro Lucas. Concretamente con su trío, que completan Javier Barraqués a la batería, y Juan Modesto al contrabajo. Grabado en el mes de abril del pasado 2014 Azul Cobalto (Autoedición, 2015) es el disco que hoy nos ocupa.
“El color azul significa, simboliza o está vinculado a cosas tan inmateriales y etéreas como los sueños, lo infinito, la sabiduría...”
Las diez composiciones de Alejandro Lucas transitan por un clasicismo bien evidente. Con buenas intenciones y ejecutando los temas de manera correcta. Confeccionando un álbum conceptual y con una intención muy definida. Presentar su música, creada a través de un color concreto, es decir, percibiendo y aplicando sinestesia.
“Azul cobalto, es la denominación de una serie de coloraciones azules que pueden variar en claridad u oscuridad. También se conoce como azul Thénard, quién encontró por encargo este sustituto del azul ultramar…”
Y el resultado es difícil de explicar, el color concreto inspira al autor, pero no tiene porque ser igual para el que escucha. Personalmente me cuesta asociar la música a colores, más bien me evoca sentimientos o escenas en las que sí, posiblemente los colores puedan cambiar, pero no como eje central. En todo caso, estamos hablando de música. De música jazz con raíces firmes. El autor no pretende recrear ni volar hacia otros parajes. Prefiere quedarse en la zona de confort y explicar su música. Lo que el azul cobalto le sugiere. El resultado es óptimo aunque algo frío para el que escribe. No consigo entrar y conseguir un placer continuo. Sí que sucede en algunas ocasiones, pero la sensación predominante es de vacío. De que el disco, como decía anteriormente, está bien confeccionado, bien ejecutado por los tres músicos, y con muy buenas intenciones, pero falto de alma. Y posiblemente la tenga, pero yo no la percibo.
“He querido pues, que mi sinestesia sea con este color en particular, este azul noche que empezó tiñendo una composición y ha acabado por colorear todo el disco.”
Hay algo evidente en el mundo de la música y es que, lo que uno percibe o siente, puede ser radicalmente opuesto en otra persona. Por lo que hay que arriesgar y descubrir nuevos discos. Nuevas propuestas. Claro que una reseña puede ayudar más o menos, pero lo realmente importante es escuchar por uno mismo y sacar sus propias conclusiones.
 
Reseña escrita para la revista digital Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz
 
© Jesús Mateu Rosselló, 2015
 
Alejandro Lucas Trío: Azul cobalto
 
Músicos: Alejandro Lucas (guitarra eléctrica, kalimba, balafón, triángulo y clave) Javier Barragués (batería) y Juan Modesto (contrabajo)
 
Composiciones: “Modo Jano”, “Sexto día”, “Azul bahía”, “Marte en Aries”, “En cada vez”, “Azul Cobalto”, “Tudo por fazer”, “La copa medio llena”, “Estrategia primera” y “Blues en camino”
 
Todos los temas compuestos por Alejandro Lucas y arreglados por Alejandro Lucas, Javier Barragués y Juan Modesto.

domingo, 3 de enero de 2016

Entrevista a Germán Díaz o las nubes como fuente de inspiración

Germán Díaz es uno de los músicos más importantes y tal vez menos conocidos que habitan en nuestro país. Su instrumento de cabecera es la zanfona, el genial instrumento proveniente del siglo XII. Pero no queda aquí la cosa, y es que Germán es un enamorado de los instrumentos más bien poco comunes. Órgano de barbaria, caja de música, rolmona cromática, sierra musical… Son algunos de los instrumentos que suele usar tanto en sus grabaciones como en sus directos.
Intentar etiquetar la música que nos ofrece el autor es realmente absurdo. Se puede intentar, pero resulta mucho más interesante (y gratificante) que si alguien se siente atraído por lo que se dice en esta entrevista, investigue y se hipnotice. Germán Díaz, dentro de las limitaciones de algunos de los instrumentos (muchos de ellos mecánicos) consigue crear un espacio-tiempo paralelo en el que lo que sucede, camina entre lo bello y lo (repito) hipnótico. Además, utiliza elementos provenientes del jazz, aspecto que dota a sus proyectos de mayor libertad creativa.
Hablamos de los dos últimos discos publicados en los que aparece el zanfonista. Método Cardiofónico (Producciones Efímeras, 2014) y Cancionero Gallego (Producciones Efímeras, 2015) este último publicado con el Oh Trío. Hablamos de magnetismo. De la observación de nubes. De futuros instrumentos… Mejor que lo comprueben por ustedes mismos.
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Jesús Mateu Rosselló: Gracias ante todo por conceder esta entrevista a Tomajazz. Para posibles lectores que no conozcan tu música o aquellos que sí la conocen pero están interesados en profundizar en el aspecto humano del autor. ¿Quién es Germán Díaz y por qué decide dedicarse al difícil mundo de la música?

Germán Díaz: Empecé, como muchos niños, interesándome por la música y devorando todo lo que había por casa, que era, sobre todo por resonancias familiares, música clásica y tradicional. Después empecé a estudiar guitarra y gané algún concurso de canción con el que pude comprarme mi primera zanfona, instrumento que ya había despertado mi curiosidad.
Lo que sigue es lo habitual de todos los músicos... viajes para estudiar, intentar formarse y conocer a otros músicos...

Jesús Mateu Rosselló: Hace unos meses, publicaste mediante tu sello discográfico Producciones Efímeras el disco Método Cardiofónico basado en los ritmos de latidos de corazón grabados por el Doctor Iriarte en los años cuarenta. ¿Cómo descubriste las grabaciones del Doctor Iriarte y cuándo te diste cuenta de que había un proyecto en ello?

Germán Díaz: Las grabaciones me llegaron por mi padre, médico también. Un amigo suyo le dio una de las carpetas originales que editó el doctor Iriarte y mi padre me lo regaló, pues sabe de mi interés y curiosidad por la historia de la fonografía y las grabaciones insólitas...
En cuanto lo escuché por primera vez, en un gramófono, me pareció de una intuición poética asombrosa, y comencé a pensar cómo utilizarlo en directo...

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Jesús Mateu Rosselló: ¿Crees que el Dr. Iriarte, cuando realizó aquellas grabaciones, podía intuir que los latidos grabados podrían servir para algo más… es decir, que no solo grabara los latidos para su estudio, sino que el simple hecho de escucharlos, podía evocar un “algo” poético? ¿Eran comunes estos tipos de grabaciones en aquella época o fue un rara avis?

Germán Díaz: Bueno, tuve la fortuna de contactar con uno de los hijos del doctor Iriarte, José Antonio, que desgraciadamente falleció antes de que editásemos el disco, pero me envió, con gran generosidad, material de su padre. Aurora de Ozamiz, mujer de José Antonio, me comentó que el Dr. Iriarte hablaba del parecido de algunos latidos con el zureo de las palomas, así que creo que su sensibilidad también encontró ritmos poéticos en esos latidos anónimos...

Esta grabación es insólita y pionera en su época... hemos de tener en cuenta que el Dr. Iriarte patentó su método en los años 30, y entonces, era difícil y costoso grabar... Había que estampar los discos, después copiarlos, etc.... y grabar unas frecuencias tan graves, no es nada sencillo... de hecho, en el folleto que acompaña la publicación, aparece una foto -que hemos reproducido en el disco-, en donde se ve al Dr. Iriarte grabando a un paciente con un micrófono especial adosado al pecho...

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Jesús Mateu Rosselló: La financiación de Método Cardiofónico ha sido posible gracias a una campaña de crowdfunding. ¿Por qué decides tomar esta decisión y qué conclusiones sacas de la experiencia? Imagino que todo el tiempo que se invierte, es tiempo que se pierde en relación a estudio y composición.

Germán Díaz: La campaña de micro mecenazgo funcionó de maravilla y estoy muy agradecido a todas las personas que participaron. Decidimos financiar el disco de esta manera porque nuestra discográfica es muy pequeña y humilde, y no tiene posibilidad de financiarse de otra manera. Además, para este disco, hicimos una edición especial que supuso un desembolso importante: una tirada limitada de 100 unidades con una xilografía preciosa que hizo Francisco Remiseiro, en una carpeta elaborada a mano por Fernando Fuentes.

El tiempo que me quitó este particular en relación a estudio y composición, fue muy poco... ¡Peor es toda la oficina y burocracia que hay que sufrir para poder conseguir un concierto!

Jesús Mateu Rosselló: Una vez grabado y editado el material, a parte de los conciertos que puedan surgir, ¿se podría decir que Método Cardiofónico es un proyecto acabado?

Germán Díaz: Es un proyecto acabado que me ha llevado unos años pensar y terminar... ahora tenemos otros proyectos en la cabeza, aunque seguimos actuando con el Método Cardiofónico... acabo de llegar de Italia y ahora estoy en Munich durante un mes, y en verano tenemos giras por Francia, Austria, república checa, Alemania... así que es un proyecto que aún podemos rodar por el resto del mundo.

Jesús Mateu Rosselló: Ya que comentas que hay proyectos en marcha, aparte del reciente disco publicado con Oh Trío del que ahora vamos a hablar, ¿qué otros proyectos se están gestando?

Germán Díaz: Tengo en mente uno sobre nubes, que relataría un viaje... aún estoy madurando el argumento… pero quiero además fabricar un instrumento entre mecánico y lira organizzata… en fin... poco más te puedo avanzar... el próximo domingo iré a Viena a trabajar con mi lutier, Weichselbaumer, para empezar a plantear el instrumento...

Y ahora mismo estoy en Villa Waldberta, en una residencia artística de un mes, en Munich, y voy a intentar sacar de nuevo otro proyecto que se me ha ocurrido al llegar aquí... si me sale algo, te lo cuento.

Jesús Mateu Rosselló: Precisamente tenía en mente realizarte algunas preguntas en relación a las nubes, porque aparte de tu proyecto como músico, eres uno de los organizadores de un congreso que este año ha celebrado su segunda edición: el Congreso Internacional de Observadores de Nubes. ¿Puedes explicar que actividades realizáis y con qué fines?

Germán Díaz: El congreso internacional de observadores de nubes, es una reunión interdisciplinar en torno a las nubes... Músicos, antropólogos, meteorólogos, pintores, escritores, fotógrafos, etc... Debaten y presentan trabajos sobre las nubes. El fin último del congreso es conocer mejor aquello que amamos -las nubes en este caso-, porque con conocimiento, se disfruta más intensamente.
El congreso de este año fue muy especial para mí, porque conseguimos, gracias a la generosidad de Francisco Remiseiro y Siña Fernández, fundir una campana con el relieve de una nube de Athanasius Kircher, que se utilizó para ilustrar la relación de las campanas con las nubes -en una conferencia que pronunció Joaquín Díaz-, y para un concierto magnífico que hizo Benxamín Otero con Carlos Quintá.

Jesús Mateu Rosselló: ¿En qué medida puede influir en tu música la observación de nubes? Por lo menos, en tu sello discográfico vemos que cada disco equivale a una nube, además de proyecto que comentas en una respuesta anterior.

Germán Díaz: Las nubes han sido, y serán, fuente de inspiración constante. Y en ese sentido, me gusta observarlas, conocerlas, y emocionarme con su cambiante figura... supongo que la emoción que despiertan, me ayuda a crear algunas de las pequeñas melodías que compongo...

Jesús Mateu Rosselló: Recién estrenado el año 2015, sale al mercado el primer disco del trío del que formas parte junto con Antonio Bravo a la guitarra y Diego Martín a la batería y bendhir, es decir Oh Trío. Cancionero Gallego (Producciones Efímeras, 2015) proyecto del que ya adelantaste información en la entrevista que concediste a Tomajazz allá por el año 2010. ¿Cómo surge el proyecto y cómo ha sido el proceso de adaptar once piezas del cancionero gallego a vuestra formación?

Germán Díaz: El proyecto surge, sin duda, por la amistad que nos une a los tres. Antonio y yo grabamos hace años un disco sobre el cancionero de la guerra civil española, y este nuevo trabajo ha sido una revisión personal de otro cancionero, importante, como es el de Torner y Bal y Gay.
Un amigo me regaló este cancionero, y empezamos a trabajar sobre la selección de todas las melodías y los arreglos para crear el repertorio que ahora se puede escuchar en el CD.

Oh Trio_Cancionero Gallego_Producciones Efimeras_2015
Jesús Mateu Rosselló: Aunque en mi opinión, eres un músico al que no me atrevería a encasillar en ningún estilo, tan siquiera en varios definidos, lo que está claro es que un elemento indispensable en tu música es la improvisación. Por este motivo se podría decir que encajas en según qué proyectos de marcado carácter jazzístico. ¿Cómo conociste el mundo de la improvisación y que te sedujo para que la incorporaras a tu personalidad musical? Precisamente, en Cancionero Gallego, es un elemento indispensable.

Germán Díaz: El mundo de la improvisación lo conocí gracias a músicos con los que he colaborado como Baldo Martínez, Antonio Bravo, etc... La zanfona no es un instrumento muy ágil, por sus particularidades técnicas, y además, es un instrumento modal que responde a una afinación particular sobre un bordón, pero su capacidad tímbrica lo hace muy interesante...
Me gusta la improvisación porque crea un momento único que tiene que ver con la relación personal con cada músico y con la energía particular del lugar en el que tocas.

Jesús Mateu Rosselló: El primer minuto del primer tema de Cancionero Gallego “Mozo Xeitoso” se podría decir que es una introducción que coquetea con la libre improvisación. ¿Puede ser, en un futuro, un paso a seguir en la evolución de tu música?

Germán Díaz: Bueno, hace tiempo, formamos un dúo de libre improvisación con Diego Martín, Marisco Fresco, con el que estuvimos tocando varios años... tal vez ahora mi camino sea otro y me dedique menos a la libre improvisación, aunque el mes que viene tenemos una nueva grabación con Irene Aranda y Lucía Martínez precisamente de libre improvisación....

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Jesús Mateu Rosselló: Hace unos días, asistí a un espectáculo para niños (y no tan niños) de un artista valenciano, Dani Miquel, en el que, para mi sorpresa, interpretó algunas canciones con una zanfona. Al ser tu instrumento de cabecera, o por lo menos con el que te identifico más rápidamente. ¿Crees que hay un desconocimiento generalizado en relación a este instrumento?

Germán Díaz: Es un instrumento no muy conocido, como tantos otros, pero que poco a poco va interesando a más y más gente. Hay muchos jóvenes que tocan muy bien y que se interesan e identifican con este instrumento.

Jesús Mateu Rosselló: Hace dos años, presentabas junto a David J. Herrington proyecto con un instrumento realmente insólito, híbrido entre zanfona y órgano, es decir, la Lira Organizzatta. El Luthier Wolfgang Weichselbaumer, fabricante de cuatro reproducciones, te encargó la composición de nuevo repertorio para el singular instrumento. Imagino que un gran honor para tu persona. ¿Cómo fue aquella experiencia? ¿Habrá referencia discográfica de la música que compusiste y que interpretaste en varios conciertos?

Germán Díaz: Más que encargarme la composición, lo que hizo fue prestarme generosamente el instrumento para que hiciera lo que quisiera. Pensé en David por su sonido especial y su sensibilidad, y comenzamos a trabajar juntos. La verdad es que es un proyecto complicado de mover, por lo delicado del instrumento, y muy exigente para mi, ya que al fin y al cabo, se trata de un nuevo engendro distinto a la zanfona, y no tengo el tiempo necesario para poder estudiarlo todos los días en profundidad...
No sé si habrá referencia discográfica... me gustaría poder trabajar el instrumento unos años y después grabar... ya veremos...

Jesús Mateu Rosselló: Los instrumentos mecánicos, como pueden ser la caja de música o el órgano de barbaria, tienen, en mi opinión, un magnetismo casi hipnótico. Parece una contradicción ya que no hay más que girar una manivela para accionar el instrumento y que reproduzca las notas. Cómo músico que compone para estos instrumentos y que los utiliza en conciertos ¿Cómo se puede explicar, según tu propia experiencia, la fascinación que produce?

Germán Díaz: Bueno, pues como tú muy bien has dicho en la pregunta... como un magnetismo hipnótico... ver una caja que engulle un papel, y toca música, es algo insólito... y ese sonido algo imperfecto de la música mecánica, hace que tenga un encanto especial...

Jesús Mateu Rosselló: Aparte de la inspiración proveniente de los factores que te rodean, que músicos o conjuntos musicales son imprescindibles para el crecimiento musical de Germán Díaz, es decir, aquellos que de alguna manera, forman parte de tu música.

Germán Díaz: Una larga lista, la verdad, casi me resulta complicado enumerar alguno, porque de una forma u otra, de todos aprendo y muchos admiro... compositores como Machaut, Milán, Narváez, Da Milano, Weiss, Conlon Nancarrow, Dvorak.... intérpretes como Tasto Solo, H. Smith, Anouar Brahem, Galliano, Dave Douglas....

Jesús Mateu Rosselló: Bueno, hace escasos días que acaba de fallecer Juan Claudio Cifuentes “Cifu”. Para cualquier aficionado a la música jazz (no necesariamente) supone una pérdida tremenda. ¿Que ha supuesto el Cifu en la carrera de Germán Díaz?

Germán Díaz: Exactamente lo que tú dices en la pregunta. Una pérdida tremenda de un personaje del que tanto aprendimos... Me encantaba escuchar sus programas, y esa forma profesional de hacer radio y compartir sus conocimientos enciclopédicos.

Jesús Mateu Rosselló: Para finalizar, darte las gracias por conceder esta entrevista a Tomajazz. Esperamos que tus más recientes proyectos tengan buen recorrido y que los que están por venir nos emocionen así como lo hacen tus trabajos publicados hasta el momento.

Germán Díaz: Muchas gracias a vosotros, por mantener viva una plataforma cultural en torno al Jazz como es Tomajazz, y mucho ánimo.

Entrevista realizada para la revista digital Tomajazz Entrevista en Tomajazz: Entrevista

Texto: © Jesús Mateu Rosselló, 2015
Fotos © Sera Martín, 2015