Cartell + info: MANACOR JAZZ (el pròxim 25.06.2016 Saló d'Art Independent Manacor SAIM. Manacor)

 

El pròxim 25.06.2016 es celebrarà el MANACOR JAZZ a Saló d'Art independent de Manacor SAIM (Carrer Miquel Servet, 10 de Manacor). Després d’unes setmanes de feina organitzativa (junt amb els amics de Altraveu), hem pogut confirmar la participació de sis músics mallorquins que com molts de vosaltres sabreu, son autèntics experts en els seus instruments. I com sol passar, no son tan fàcils de veure junts damunt un escenari de Mallorca. Alguns d’ells viuen a Barcelona, altres viuen a Mallorca però continuament viatgen per tocar a altres indrets... en definitiva, vos present el cartell de l’esdeveniment (que ha confeccionat en Diego Ingold) i els músics que tocaran repartits en dos trios, el primer d’ells inèdit. Al final dels dos concerts hi haurà una JAM SESSION OBERTA, es a dir, els músics que vulguin tocar amb aquestes bèsties, ho podran fer. També comentar que de 19:00 a 20:00 i entre actuacions, l’amic Abel Peset Arias aka HABEL ens punxarà música en discs de vinil.

Trio 1: Pep Garau (trompeta) Llorenç Barceló (hammond) Teo Salvà (batería)
Trio 2: Tomeu Garcias (trombó) Josep Munar (guitarra) Joan Garcias Tur (contrabaix)

Gràcies per la col.laboració de Faqtoria Muntaner, SAIM i Altraveu !!!!

El preu de les entrades es de 7,00€ i heu de contactar directament amb jo, o be a través de un missatge privat de facebook, un missatge whatsapp o be per telèfon (616.34.12.88)



Nettwork: Stanley Jordan, Casimir Liberski, Charnett Moffett y Jeff "Train" Watts (XXI Mallorca Jazz Sa Pobla. 04.08.2015)

XXI Festival Mallorca Jazz Sa Pobla

• Lugar: Plaza Mayor de Sa Pobla
• Fecha: Martes 4 de Agosto de 2015. 22:30
• Formación:
  Nettwork
  Stanley Jordan: guitarra eléctrica
  Casimir Liberski: piano acústico y teclado
  Charnett Moffett: bajo eléctrico
  Jeff “Train” Watts: batería

Cabe decir que las impresiones y reflexiones de un asistente a un concierto siempre vienen precedidas de circunstancias ajenas a la música. Y puede que estas influyan tanto positiva como negativamente. Pero no estoy muy seguro. También creo que si la música tiene la suficiente magia, la suficiente conexión para que durante el recital sólo exista la música, nada puede parar el placer individual (y colectivo). Digo esto porque aunque la primera jornada de la XXI edición del Mallorca Jazz Sa Pobla cuenta con la formación Nettwork (Charnett Moffett al bajo eléctrico, Stanley Jordan a la guitarra eléctrica, Jeff “Train” Watts a la batería, y Casimir Liberski al piano) lo que sucede en el escenario, bajo mi punto de vista, está falto de conexión. De producir emociones. De, entre las notas perfectamente ejecutadas, añadir  otros elementos imperceptibles a la simple escucha. Puede que el que escribe tal vez esté en una situación de cansancio mental (y físico). O puede que sólo busque escusas para justificar mi decepción.
 

A la hora anunciada, y con una excelente asistencia de público, suben al escenario los cuatro integrantes de Nettwork. Empieza el concierto del denominado supergrupo.
 

Charnett Moffett, muy activo (hiperactivo realmente) durante todo el concierto. Ejerce, nunca mejor dicho, el liderazgo del proyecto. Con evidentes dotes para ello aunque con un exceso de afán de protagonismo tanto en sus intervenciones interminables como en sus gestos. Efectivamente es poseedor de una técnica excelente, bien, pero entre las miles de notas no veo nada. No siento aquella conexión imprescindible.

Stanley Jordan, a todas luces el músico más reclamado por los asistentes, ejerce las labores de sideman sin querer en ningún momento destacar. Todo lo contrario. A las órdenes de Moffett, se mantiene tranquilo. Dejando sutiles detalles de su magnífica técnica (nunca abusando de ella). Hay un aspecto contradictorio que hay que comentar. En un momento del concierto, realiza un solo de guitarra que me parece irresistiblemente bello. Pero que en mi opinión, no tiene nada que ver con la música del proyecto. Quedo con ganas de más Jordan.

Jeff “Train” Watts, verdadero motor de cuarteto, realiza una soberbia actuación. Resulta impresionante la cantidad de variantes que utiliza durante las dos horas y media que dura el concierto. En los dos primeros temas, parece sumamente concentrado. Con semblante muy serio. Y precisamente la percepción que percibo en el inicio está acorde con la cara de Watts. Pero en un momento determinado, y prácticamente hasta el final, Watts cambia radicalmente. Aparece la sonrisa infinita. Y las baquetas percuten. Y vaya si percuten con vida propia. Solo para verlo a él, merece la pena todo el concierto.

Casimir Liberski, el más joven del denominado supergrupo, realiza una actuación un tanto tímida. Si que se puede observar que tiene buena técnica al igual que se puede entrever que usa elementos un tanto más contemporáneos que sus compañeros. Pero quedándose a medias. Me da la impresión de que puede ofrecer algo más.
 

En definitiva, el proyecto Nettwork se podría intentar definir como un grupo de jazz-rock (hay algo del sonido de los setenta) con algo de fusión, y aunque es muy respetable y tremendamente profesional, carece de alma y conexión entre músico y público. Algunos asistentes puede que se echen  las manos a la cabeza ante esta afirmación poniendo como ejemplo el final del concierto, con parte del público bailando junto a los músicos en el escenario (a petición de Moffet). Y aunque me parece un gesto amable hacia el público, entiendo que la música tiene poco que ver con este final apoteósico. Lo percibo como una manera de acabar en todo lo alto. Un truco demasiado fácil.
 

Un amante de la música se deleita y siente hordas de placer ante momentos puntuales y magistrales, pero este no un concepto definitivo para el resultado global de un concierto. En todo caso, siempre hay que dar la enhorabuena a los responsables del Mallorca Jazz Sa Pobla. Sin duda el esfuerzo es titánico para que sobreviva un festival de estas características.

Crónica escrita para la revista digital Tomajazz Énlace: Crónica en Tomajazz
 

Texto:  © Jesús Mateu Rosselló, 2015
Fotografías: © José Luis Luna Rocafort, 2015

Langui: Hola (Autoedición / Rosevil, 2015)



El pasado mes de diciembre de 2015 publicaban en la revista digital La Ganzúa mi reseña en relación al primer disco en solitario de Langui: Hola (Autoedición / Rosevil, 2015). Así que recupero el enlace directo de la reseña en el blog.

Para leer la reseña podéis clicar en este enlace: Reseña en La Ganzúa

 

Michele Lordi: Drive (Autoedición, 2015)

 

 

En el mes de diciembre de pasado año, la cantante Michelle Lordi grabó y publicó su segundo álbum como líder: Drive (Autoedición, 2014) junto con Larry McKenna (saxo tenor), Tom Lawton (piano), Madison Rast (contrabajo), Dan Monagan (batería) y de manera especial Orrin Evans (piano en los temas (“My Ship”, “I Fall In Love Too Easily” y “Drive”) que además es el productor del disco.

 

Elegancia es la primera palabra que viene a mi cabeza al acabar de escuchar el disco. Los diez cortes de Drive (Michele Lordi, 2014) contienen esta cualidad no tan fácil de conseguir y que no hay que confundir con sensaciones parecidas pero realmente alejadas. Intuyo que previamente a la confección de los dos discos publicados hasta la fecha, hay un estudio (escuchar es estudiar) intenso de las grandes vocalistas de la historia del jazz. Asimilando lo que hicieron en momentos determinados de la historia y a través de ello, conseguir sonar como un homenaje pero mirando al presente. Es evidente el sonido clásico del álbum, pero repito, sin sonar demasiado añejo. Introduciendo pequeñas variantes. Dando personalidad a través de la voz y de la música. Bien pensado, estas palabras más bien las aplicaría a siete de los diez temas del disco. Digo esto porque hay que mencionar la participación del peso pesado Orrin Evans. Muy a destacar el papel que desempeña el pianista. A parte de las labores de producción, participa en tres de los temas (“My Ship”, “I Fall In Love Too Easily” y “Drive”). Y precisamente estos son los que más se alejan del clasicismo comentado. Acercándose a un sonido más vanguardista. Elevando el proyecto. Dándole aquel ingrediente especial que lo diferencia de otros similares. Sin menospreciar a Tom Lawton que, dentro de una zona más segura, no deja de realizar un buen trabajo. Hay que decir que el resultado de estos tres temas está un paso por delante del resto. En cuando escucho el disco repetidas veces, mis emociones se descontrolan y vibran cuando aparece Evans. Su estilo tan personal se amolda perfectamente a los otros músicos (exceptuando “I Fall In Love Too Easily” dúo de piano y voz), y lo dicho: crean tres pequeñas joyas.

 

Aunque es evidente que Drive es un proyecto bastante compacto, entiendo que está presente esa pequeña descompensación de la que hablo. Aun así, me parece un proyecto notable, serio y respetuoso con los años dorados del jazz vocal. Eso sí, no puedo evitar pensar que sería muy interesante un proyecto con Orrin Evans de manera íntegra.

Reseña escrita para la revista digital Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz

 

© Jesús Mateu Rosselló, 2015

 

Michelle Lordi: Drive

Músicos: Michelle Lordi (voz) Larry McKenna (saxo tenor) Tom Lawton (piano) Madison Rast (contrabajo) y Dan Monagan (batería). Orrin Evans (piano en los temas 4, 6 y 10)

Composiciones: “You’re My Thill”, “Imagination”, “True Love”, “My Ship”, “If I only had a heart”, “I Fall In Love Too Easily”, “My Ideal”, “Ghost Of A Chance”, “Now At Last” y “Drive”.

Grabado por Ron Disilvestro en Forge Recording Studios en Diciembre de 2014

Carlos Falanga: Gran Coral (Underpool Records, 2015)

 

 

Gran Coral (Underpool Records, 2015) es el primer trabajo como líder del baterista y compositor argentino (afincado en Barcelona) Carlos Falanga. Efectivamente, uno de los músicos más solicitados de la escena barcelonesa. Miembro del trío de Marco Mezquida (My Friend Marko) y miembro fijo en las sesiones del imprescindible bar-local Robadors 23. Para su debut, el autor conforma un cuarteto de lujo con Marco Mezquida al piano, Fender Rhodes y synths, Jaume Llombart al bajo eléctrico y Jordi Matas a la guitarra.

 

Y son varias las sensaciones y conclusiones que uno saca cuando se ha impregnado del disco en cuestión. En primer lugar hay que destacar la madurez del proyecto. Tal vez por los años que lleva el baterista y sus tres acompañantes en excelentes formaciones, dotan al disco de contundencia en su acabado. Y es que Gran Coral es un disco perfectamente cohesionado. Bien por la sonoridad del conjunto, bien por el exquisito gusto en las composiciones de Carlos Falanga. Estas, no destacan por complejidad, dificultad o virtuosismo. Todo lo contrario. La sencillez funciona como eje central tanto en las mencionadas composiciones como en las improvisaciones. Y precisamente este aspecto es un gran acierto. Los cuatro músicos tienen sobrada técnica, pero bajo la batuta de Falanga confeccionan juntos un trabajo en grupo que se distancia de lo evidente. Los temas funcionan como piezas consistentes e irrompibles. Por poner algunos ejemplos, de manera bien personal digo que “Memory of The Water” me recuerda/transporta al universo de Angelo Badalamenti. Mezcla de belleza y misterio; “Tanino” es una delicada pieza impregnada de música clásica y de una historia personal. O por lo menos, yo creo una; Reconozco rápidamente la melodía de la pieza “Snus” que ya encontrara en el disco ú (Underpool Records, 2013) pero arreglada para esta formación tanto en el aspecto evidente como en el aspecto sonoro; O la preciosa versión que Falanga presenta de “Gran Coral” de Igor Stravinski, que precisamente da título al disco.

 

En relación a los músicos hay que decir que la labor de Marco Mezquida dota al conjunto de una especial sonoridad gracias a que, en la mayoría de los temas, utiliza un teclado Fender Rhodes. El pianista se adapta (como siempre) a lo que pide el autor de manera magistral. Aunque se puede apreciar su estilo al piano, se desmarca notablemente consciente de encontrar el perfecto equilibrio. Jordi Matas, al igual que el pianista, es pieza clave en la sonoridad. Realiza un trabajo perfectamente equilibrado sin querer destacar. Prestándose al proyecto y ejerciendo su papel de la mejor manera. Jaume Llombart al bajo eléctrico, es otro acierto dando al proyecto más sonido eléctrico y ofreciendo cuerpo y solidez. Y el líder Carlos Falanga se olvida de querer destacar por el hecho de ser su disco y se centra más en la composición y dirección del proyecto, eso sí, realizando acompañamientos rítmicos que, al igual que el global del disco, ofrecen aparente sencillez. Pero en realidad, hablamos de un minucioso ejercicio lleno de matices.

 

Gran Coral, en un inicio puede parecer lo que no es. Es un disco que, para disfrutar al máximo, hay que redescubrir a cada escucha. Es de aquellas grabaciones que, una vez acabada la última nota del último tema, vuelves al inicio para escuchar nuevamente el disco de principio a fin. Además, tiene aquella virtud de fusionar la composición y la improvisación. De querer la implicación para descubrir los múltiples y sutiles aromas. Gran Coral es un Gran Disco.

 

Reseña escrita para la revista digital: Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz

 

©Jesús Mateu Rosselló, 2015

 

Carlos Falanga: Gran Coral

 

Músicos: Jordi Matas (guitarra) Marco Mezquida (piano, synths, fender rhodes) Jaume Llombart (bajo eléctrico) y Carlos Falanga (batería)

 

Composiciones: “Tilos”, “Gran Coral”, “Lombardo”, “59”, “Memory Of The Water”, “Snus”, “Blonde”, “Azul”, “Tanino” y “Grown Garden”.

Todas las composiciones por Carlos Falanga excepto “Gran Coral” de Igor Stravinsky

 

Grabado el 7 de abril de 2014 en Casa Murada. Publicado en 2015 por Underpool Records

Banda Sonora: Be Thankful For What You've Got (Massive Attack - del álbum Blue Lines, 1991)

(Banda Sonora. Sección para dar a conocer las canciones que considero forman parte de mi vida o sencillamente aquellas que me producen una sensación especial)

Massive Attack: Be Thankful For What You've Got (del álbum Blue Lines, 1991)

Hace unas semanas los amigos de Notodoesindie me encargaron la confección de una playlist de temática libre, entonces, uno de los primeros flashes (entre otros prohibitivos) que recibí fue la palabra Trip Hop. En la introducción que escribí ya expliqué como llegué a descubrir el estilo por lo que me apetece reproducir un extracto del mismo:

"Recuerdo perfectamente cuando descubrí la música trip hop. Fue mi maestro y mentor, el fotógrafo y DJ Joan Forteza, el que me dejó la edición en cd del Blue Lines (1991) de Massive Attack. Aquella misma noche, dentro de la cama, me escuché este clásico en reproductor de cd que tenía en aquel entonces, y claro, desde el primer segundo se abrió un mundo nuevo para mí. Me impacto muchísimo. Lo escuché en innumerables ocasiones en poco tiempo. Entonces, la consecuencia lógica. Un disco me llevó a otro y así hasta un buen número de ellos"

Entonces, la canción que presento, seguramente no es de las más conocidas. Se trata de "Be Thakful For What You've Got" una versión del tema compuesto por William DeVaughn, en esta ocasión interpretada por Tony Bryan. Poco más, clicad en el enlace y disfrutad como yo lo hice, lo hago y lo haré.

Enlace Vimeo: Be Thankful For What You've Got (videoclip que miré en su momento y que no aparece en youtube por contener un desnudo integral)

 

Lisbon Berlin Trio: The Line (Clean Feed, 2014)

 

 

El guitarrista portugués Luis Lopes lanza su segundo trabajo discográfico como líder del Lisbon Berlin Trío, es decir, Robert Landfermann al contrabajo, Christian Lillinger a la batería y el propio Luis Lopes a la guitarra

 

The Line (Clean Feed, 2014) es un disco bruto y agresivo. Desde la portada se avisa que lo que contiene el disco, para nada pretende ser del agrado de todo el mundo. Un trabajo oscuro. Penetrante. Que a más de uno le puede parecer una locura sin sustancia. OK, toda opinión puede respetarse. Pero no la compartiría. El trío, bajo la batuta del guitarrista, juega limpio (aunque parezca una contradicción). No hay desfachatez ni impostura. Los seis cortes del disco son puros. Con gran fuerza poética. Con gran dramatismo y radicalismo. Muy en consonancia con la actitud y musicalidad del punk. Uno puede perderse y encontrar. O encontrarse y perder la cordura. El disco puede que sea un ejercicio en el que se pone a prueba al que se quiera someter, de igual forma funcionaría a la inversa. Seis únicos temas en los que el trío nos sumerge en su lúgubre ambiente a través de “Dark Suite (Prologue)”. Minutos en los que poco a poco nos dejamos llevar por el grave sonido del contrabajo, que realmente nos retrotrae a una especie de submundo en el que, aunque es algo cercano a lo terrorífico, uno se siente a gusto. “Vértigo” cambia el tempo. El nombre del tema es bien significativo. El tema empieza con melodía obsesiva hasta entrar de lleno en una improvisación de Luis Lopes sobre un ritmo endiablado y esquizofrénico de batería. “Mother Snake” es una absoluta locura de doce minutos en los que la libre improvisación actúa como tal. Tres ejemplos (de los seis) de lo que nos encontramos en el global del disco. Hay que descubrir el cincuenta por ciento restante.

 

La madre serpiente muerde. Nos muerde. Tal vez nos pone a prueba. No es fácil llegar a la concentración necesaria para poder disfrutar en tal torrente de notas agresivamente ejecutadas. Hay que buscar el momento adecuado. Si no se encuentra, mejor olvidarlo. En mi caso personal, entro. Sufro. Me obsesiono. Salgo por momentos cuando hay necesidad de aire. Pero me conozco y vuelvo. Lo necesito.

 

Reseña escrita para la revista digital Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz

 

© Jesús Mateu Rosselló, 2015

 

Lisbon Berlin Trío: The Line

Músicos: Luis Lopes (guitarra) Robert Landfermann (contrabajo) y Christian Lillinger (batería)
Composiciones: “Dark Suite (Prologue)”, “Vertigo”, “Mother Snake”, “Dark Suite (Epilogue)”, “The Line” y “Schwarzwald”

Todas las composiciones por Luis Lopes (excepto “Mother Snake” y “Schwarzwald” por Lisbon Berlin Trio)

Grabado día 25 de mayo de 2014 por Wolfgang Statch en Maarweg Studios. Editado y publicado por Clean Feed

Juan Pablo Balcázar Septeto: Piragua (MTM, 2015)

 

Juan Pablo Balcázar es uno de los músicos más activos y solicitados de la escena barcelonesa. Miembro fijo en las sesiones del local Robadors 23, líder de varios proyectos y sideman de múltiples formaciones. A parte, conviene recordar que es miembro (y aquí me toca de cerca por razones nostálgicas) del Kase O Jazz Magnetism o del Rapsusklei & The Flow Fanatiks, conjuntos que buscan (y encuentran) la unión entre la música jazz y el rap.

Aunque han pasado unos meses, es de obligada mención y revisión la publicación de su penúltimo trabajo como líder: Piragua (MTM Colombia, 2014) con una espectacular nómina de músicos, nada más y nada menos que: Miguel Pintxo Villar (saxo tenor), Tom Johnson (trombón), Marco Mezquida (piano), Joan Mas (saxo alto), Gonzalo del Val (batería), Sofía Ribeiro (voz), y el propio Juan Pablo Balcázar (contrabajo)

Y de primeras cabe decir que el disco roza la perfección si hablamos de proyecto concreto. Y lo es por varias razones. En primer lugar, por el respeto con el que el músico adapta ocho temas de música popular sudamericana (el disco comprende nueve temas, el primero de ellos “obertura” es composición del contrabajista y funciona como introducción a todo el proyecto), adaptándola para que desprenda sabor jazzístico. Sin perder fuerza. Al contrario, creando una conjunción realmente vibrante y emocionante. Otra causa es la mencionada formación, que a las órdenes del contrabajista, ofrece su mejor versión siempre dentro del concepto del disco. Sin desviarse a según que parajes. Aproximándose a la mencionada música popular que, aunque no es la propia (en relación al resto de integrantes, sí lo es de Balcazar), consiguen hacer suya y que esta transite y adopte nuevas formas. Sin necesidad de destacar. Ofreciendo un proyecto donde la unión entre los músicos es vital e imprescindible. Y aunque bien pensado podría ofrecer más y más razones, hay que decir que el trabajo de Sofía Ribeiro, aportando su voz en prácticamente todos los temas, está a la altura de las expectativas que levantan sus seis compañeros. Su voz, proveniente del fado portugués, se adapta perfectamente a la sonoridad sudamericana pasada por un filtro jazzístico y claro, aportando su estilo. Aplicando su voz. Que está muy alejada de lo que se entiende (en parámetros generales) como vocalista de jazz. Por lo que más valor al hacer el proyecto más personal.

Se podría decir que Piragua es la conjunción de varias disciplinas perfectamente equilibradas. Dejando para todos un disco que desprende optimismo (en lo que a la música se refiere). Un proyecto bien engrasado y que funciona de manera ejemplar.

Reseña escrita para la revista digital Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz

© Jesús Mateu Rosselló, 2015

Juan Pablo Balcázar Septeto: Piragua 

Músicos: Sofía Ribeiro (voz) Joan Mas (saxo alto) Miguel “Pintxo” Villar (saxo tenor) Tom Johnson (trombón) Marco Mezquida (piano) Juan Pablo Balcázar (contrabajo) y Gonzalo del Val (batería)

Composiciones: “Obertura” (de Juan Pablo Balcázar) “La arenosa” (Cuchi Leguizamón) “La piragua” (José Barros) “A Pique” (Juan Quintero – Aca Seca) “El cigarrito” (Víctor Jara) “Te doy una canción” (Silvio Rodríguez) “La pomeña” (Cuchi Leguizamón) “El pescador” (de José Barros) y “Doña Ubenza” (Chacho Echenique)

Arreglos y producción: Juan Pablo Balcázar

Grabado y mezclado en Laietana Studios (Barcelona, España) Enero 2012 – Octubre 2013. Editado por MTM Ltda.

Hamlet (Es Gremi, 23.01.2016)

Crónica del concierto de Hamlet (Es Gremi, 23.01.2016) el pasado sábado día 23 de enero de 2016 en el que presentaron su álbum La Ira (Maldito Records, 2015)

Escrita para la revista digital La Ganzúa. Dejo el enlace para que podáis leer la crónica y más abajo encontraréis algunas fotografías del amigo José Luis Luna Rocafort que no se han incluido en la misma.

Espero que os guste,

Enlace: http://www.laganzua.net/cronicas-conciertos/archivo/Hamlet-Palma-de-Mallorca-2016.php

Texto: Jesús Mateu Rosselló
Fotos: José Luis Luna Rocafort

 

 

 

 

 

Alejandro Lucas Trío: Azul Cobalto (Autoedición, 2015)



 

Primer disco como líder del guitarrista Alejandro Lucas. Concretamente con su trío, que completan Javier Barraqués a la batería, y Juan Modesto al contrabajo. Grabado en el mes de abril del pasado 2014 Azul Cobalto (Autoedición, 2015) es el disco que hoy nos ocupa.

“El color azul significa, simboliza o está vinculado a cosas tan inmateriales y etéreas como los sueños, lo infinito, la sabiduría...”

Las diez composiciones de Alejandro Lucas transitan por un clasicismo bien evidente. Con buenas intenciones y ejecutando los temas de manera correcta. Confeccionando un álbum conceptual y con una intención muy definida. Presentar su música, creada a través de un color concreto, es decir, percibiendo y aplicando sinestesia.

“Azul cobalto, es la denominación de una serie de coloraciones azules que pueden variar en claridad u oscuridad. También se conoce como azul Thénard, quién encontró por encargo este sustituto del azul ultramar…”

Y el resultado es difícil de explicar, el color concreto inspira al autor, pero no tiene porque ser igual para el que escucha. Personalmente me cuesta asociar la música a colores, más bien me evoca sentimientos o escenas en las que sí, posiblemente los colores puedan cambiar, pero no como eje central. En todo caso, estamos hablando de música. De música jazz con raíces firmes. El autor no pretende recrear ni volar hacia otros parajes. Prefiere quedarse en la zona de confort y explicar su música. Lo que el azul cobalto le sugiere. El resultado es óptimo aunque algo frío para el que escribe. No consigo entrar y conseguir un placer continuo. Sí que sucede en algunas ocasiones, pero la sensación predominante es de vacío. De que el disco, como decía anteriormente, está bien confeccionado, bien ejecutado por los tres músicos, y con muy buenas intenciones, pero falto de alma. Y posiblemente la tenga, pero yo no la percibo.

“He querido pues, que mi sinestesia sea con este color en particular, este azul noche que empezó tiñendo una composición y ha acabado por colorear todo el disco.”

Hay algo evidente en el mundo de la música y es que, lo que uno percibe o siente, puede ser radicalmente opuesto en otra persona. Por lo que hay que arriesgar y descubrir nuevos discos. Nuevas propuestas. Claro que una reseña puede ayudar más o menos, pero lo realmente importante es escuchar por uno mismo y sacar sus propias conclusiones.

 

Reseña escrita para la revista digital Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz

 

© Jesús Mateu Rosselló, 2015

 

Alejandro Lucas Trío: Azul cobalto
 

Músicos: Alejandro Lucas (guitarra eléctrica, kalimba, balafón, triángulo y clave) Javier Barragués (batería) y Juan Modesto (contrabajo)
 

Composiciones: “Modo Jano”, “Sexto día”, “Azul bahía”, “Marte en Aries”, “En cada vez”, “Azul Cobalto”, “Tudo por fazer”, “La copa medio llena”, “Estrategia primera” y “Blues en camino”
 

Todos los temas compuestos por Alejandro Lucas y arreglados por Alejandro Lucas, Javier Barragués y Juan Modesto.