viernes, 28 de noviembre de 2014

SAI Trío - Agustí Fernández, Sònia Sánchez e Ivo Sans (Sea Music, Es Baluard 02.09.2014)

Sea Music (Balearic Contemporary Music)
  • Lugar: Museo Es Baluard, Palma de Mallorca
  • Fecha: Jueves 02 de Octubre de 2014. 22:00
  • Formación:
    SAI Trío
    Sònia Sánchez: Baile
    Agustí Fernández: Piano
    Ivo Sans: Batería
SAI Trío “El sueño y la mariposa”
SAI trio 650
Han tenido que pasar diez años para que Agustí Fernández volviera a su tierra, es más, en casi treinta años solo ha actuado en cuatro ocasiones. Y no es por falta de voluntad según me confirma él mismo. Por esto, la cita de esta noche es muy importante para poder ver a uno de los artistas mallorquines más internacionales en su propia casa. Y aunque la asistencia de público no está mal, se echa en falta a más gente. Además, actúan dentro del Sea Music (Balearic Contemporary Music) que lo que pretende es dar a conocer artistas de las Islas Baleares que pueden tener una proyección internacional, y los organizadores invitan a diversos promotores para que puedan ver las actuaciones. Espero que al menos, sirva para que esta formación tan especial, SAI (Sònia Sánchez, Agustí Fernández y Ivo Sans), pueda seguir en activo al menos un tiempo para que la gente pueda disfrutar de un espectáculo que, aunque no lo puedo decir con absoluta certeza, dudo que exista hasta día de hoy.
Sonia Sánchez 1 de 3
Sonia Sánchez 2 de 3
Sonia Sánchez 3 de 3 opción b
El concepto del SAI trío es usar la libre improvisación en dos formas de arte, es decir, en la música y en el baile flamenco (añadiendo dosis de danza contemporánea). Aunque no soy un entendido en el mundo de la danza, realmente creo que no importa, ¿Por qué hay que ser experto en alguna forma de arte para disfrutarla? Lo importante no es una obra en sí, sino lo que esta transmite. Un cuadro puede estar pintado con las mejores técnicas pero si este no transmite nada no me sirve. Me deja indiferente. Entonces voy a intentar definir con palabras lo que Sònia Sánchez realiza en el escenario. Puede que me aleje de lo que es en verdad, o tal vez no sea lo que intenta transmitir, tampoco creo que sea nada concreto. Ahí está la magia. Entonces diría que Sònia es una bailaora flamenca, con todo su carácter, que usa la libre improvisación según la música que le llega y que además, usa la danza contemporánea. La música que producen Agustí Fernández e Ivo Sans, entra por las orejas de la bailaora y automáticamente se pone en funcionamiento todo su cuerpo siguiendo sus propios instintos y aplicando técnicas aprendidas. Y lo que realiza es un absoluto tour de force. Un trabajo impactante y lleno de intensidad. Transmite mucho a través de sus movimientos, de sus miradas, de sus percusiones con los pies… y es que además, durante estas percusiones busca sonoridades diferentes y su trabajo crece en matices. En uno de los momentos más mágicos, contorsiona su cuerpo hacia el piano de Agustí tocándolo con las dos manos durante una bella melodía, como queriéndose fusionar con el instrumento. O tal vez queriéndolo acariciar agradeciendo la bella música.
Agustí Fernández 1 de 3
Agustí Fernández 2 de 3
Agustí Fernández 3 de 3
Agustí Fernández realiza un trabajo soberbio desde el primer hasta el último segundo. La facilidad con la que toca el piano es para quedarse hipnotizado. Agustí es verdad pura. No hay nada que no sea lo que él intenta transmitir. Como el mismo dice en una entrevista publicada en el Diario de Mallorca realizada el mismo día del concierto: “mi música ya no es mi música, es mi vida. No escribo música por escribir. Hago música para explicar mi vida”. Y se percibe perfectamente.

Su trabajo en esta formación, al igual que Ivo Sans, es el de crear un ambiente sonoro improvisado para que este cree los movimientos de Sònia, y el pianista usa muchas vertientes del piano para sacar el máximo partido. Puede ser a través de sonidos o música sin una clara melodía (desde el interior del piano (o no) a través de lo que se podría denominar como piano preparado, aunque no exactamente, es decir, usa objetos de diferentes materiales para obtener sonidos muy diferentes entre ellos), o con una melodía evidente, un ejemplo claro es que durante el concierto se puede escuchar claramente la melodía de “A Moment’s Liberty” (del disco homónimo publicado por Maya Recordings en 2013) tal vez en el ecuador del concierto. Y, a falta de unos pocos minutos para la finalización del concierto, suena otra bella melodía para poco a poco llegar al silencio antes de los aplausos.
Ivo Sans 1 de 3
Ivo Sans 2 de 3
Ivo Sans 3 de 3
Ivo Sans está inconmensurable (la verdad es que los tres lo están) los cincuenta minutos que dura aproximadamente el concierto. El trabajo que realiza puede ser un absoluto desastre si no se ejecuta con verdad, con pasión, y en estos terrenos se desenvuelve a la perfección. Por poner algunos ejemplos, hay que recordar que ha grabado con el mismo Agustí y con Ilan Manouach el disco WRY (Clamshell Records, 2013), y forma parte del Free Art Ensemble (al igual que Sònia Sánchez) entre otros proyectos de free jazz o libre improvisación. Por lo que transita estos lares desde hace tiempo. Y durante el concierto, se le ve tremendamente cómodo haciendo su minucioso trabajo. Algunos podrán pensar que la palabra minucioso se podía cambiar por caótico y es que es lo que parece a simple vista. Ivo Sans puede cambiar la sonoridad de la caja durante el concierto poniendo el pie encima mientras la percute con violencia, puede coger unas seis baquetas y con las manos y crear un pequeño estruendo de madera, así como puede realizar un trabajo percusivo pensativo y muy medido usando las escobillas. Repito, la palabra que creo se acerca más es minucioso. Y los que prefieran caótico, entonces un precioso caos.

SAI es un proyecto arriesgado. Los tres artistas se tiran al vacío explorando nuevas formas de expresión a través de su arte. Puede gustar más o menos, pero la gente también debe arriesgar al igual que SAI trío. No hay que ser conformistas con lo que nos llega. Hay que exponerse ante nuevas formas de expresión. Hay que investigar y descubrir, y sobre todo, abrir la mente y reflexionar. Y hablando de reflexionar, una vez en la cama no puedo pegar ojo. Algo habitual cuando algo me ha impactado o me ha hecho delirar.
En cuanto a Agustí Fernández, nunca voy a desistir en reivindicar a este imprescindible músico.

Crónica escrita para Tomajazz Enlace: Crónica en Tomajazz

 Texto  © Jesús Mateu Rosselló, 2014
Fotos © José Luis Luna Rocafort, 2014

miércoles, 26 de noviembre de 2014

Arturo Mora Trío: Sign Of The Future (Autoedición, 2014 - EP)


Arturo Mora es uno de los músicos más activos de la escena madrileña. Forma parte de muchos conjuntos entre los que se encuentran Tet-Quart, Juan Camacho Quartet, Angel Rubio Jazz Trío o la formación que nos ocupa: Arturo Mora Trío. Arturo Mora (bajo eléctrico y bajo Fretless) Hugo Fernández (guitarra eléctrica) y Enric Castelló (batería)

Para este proyecto como líder, presenta cinco composiciones originales en un formato de trío muy poco habitual. Y estas composiciones tienen una capacidad de la que estoy bastante obsesionado. La capacidad de crear ambiente. Es decir, cuando escuchas un tema, este te puede gustar más o menos, puede contener grandes momentos llenos de intensidad, momentos bellos, interpretaciones perfectas técnicamente, pero hay que ensalzar la capacidad de aquellas canciones que dejan que entres en ellas y que durante al menos los minutos que pueda durar, sientas que formas parte de la historia. Creo firmemente que este EP lo consigue. También tiene sus momentos más intensos y más relajados, aunque sin hacer precisamente demostraciones ni de virtuosismos ni de técnica, ni lo pretende. El disco tiene otro concepto bajo mi punto de vista. Dejar que la música fluya, que vaya siguiendo un curso sin hacer grandes salidas a lo desconocido... Los cinco temas están muy bien elaborados, y dentro de cada tema, hay un desarrollo que puede seguir lo que se podría decir como lógica, pero en ocasiones hay alguna sorpresa en el planteamiento dando un giro momentáneo para finalmente volver a su cauce. En todo el disco hay muchos momentos para la improvisación, mayoritariamente para Arturo Mora y Hugo Fernández. Enric Castelló solo realiza un solo de batería en todo el disco (que aunque es una muy buena intervención, es un tanto excesivo en su duración), y realiza un trabajo estupendo eligiendo ritmos diferentes para cada tema.

Las cinco composiciones están plagadas de influencias. Puede que me equivoque pero yo, de manera muy subjetiva, he percibido dentro de las composiciones retazos de lo que podría ser latin jazz en “Caliban’s Release”, un delicioso drum’n’bass en el ritmo de batería de “The Call Of The Gods” (pieza dedicada al irrepetible Esbjörn Svensson), y me atrevo a decir que hay algo de música árabe en “Wanderings Of The Mind”. También noto influencias de la música rock en diferentes momentos de los temas, incluso blues. Y evidentemente Jazz. Y todo esto que digo puede formar una idea equivocada de la formación al lector. Lo que estoy intentando decir es que dentro del estilo tan personal de este trío, se pueden apreciar todas estas influencias aunadas, licuadas y servidas al consumidor de música.

Reseña escrita para www.tomajazz.com Enlace: Reseña en Tomajazz

© Jesús Mateu Rosselló, 2014

Arturo Mora Trio: Sign Of The Future

Músicos: Hugo Fernández (guitara eléctrica) Arturo Mora (bajo eléctrico, bajo fretless y piano) y Enric Castelló (batería)

Temas: “The Call Of The Gods (In Memory of Esbjörn Svensson)”, “Caliban’s Release”, “What Will We Become?”, “Procrastination” y “Wanderings Of The Mind”

Todos los temas compuestos por Arturo Mora

Grabado en Torrelodones (Madrid) en julio de 2014

miércoles, 19 de noviembre de 2014

Mary Halvorson: Reverse Blue (Relative Pitch Records, 2014)

  
Mary Halvorson es una guitarrista muy activa en la escena de Nueva York. Es poseedora de una discografía de lujo en muy pocos años. Desde sus participaciones como sideman con Anthony Braxton, pasando por el sexteto y otras formaciones del cornetista Taylor Ho Bynum, hasta colaborando con la creme de la vanguardia como Peter Evans, Weasel Walter, Nate Wooley.... Este mismo mes de octubre presenta Reverse Blues (Relative Pitch Records, 2014) Proyecto a cuarteto con la siguiente formación: Chris Speed (saxo alto y clarinete) Eivind Opsvik (contrabajo) y Tomas Fujiwara (batería)

Cuando se cruzan en una frase las palabras guitarra y jazz, el concepto inequívoco que viene a la cabeza de la mayoría es bastante concreto (grave error). y esto evidentemente se puede extrapolar a todos los instrumentos. Entonces oyes a Mary Halvorson y te sorprendes por su planteamiento. En ocasiones por su casi minimalismo al ejecutar melodías, en otras al sonar incluso punk a medio tema e incluso realizando alguna improvisación espectacular. Y no en su rapidez y limpieza (que también), me refiero a su inventiva y búsqueda de diferentes sonoridades. Es tremendamente original en el planteamiento y ejecución de notas secas y cortantes, en la creación de ambiente, en destacar de manera disimulada. Los tres músicos que la acompañan están al servicio de Halvorson interpretando tanto las composiciones de la líder (cinco de las nueve) como las de cada uno de ellos (a una por cabeza salvo Opsvik que aporta dos), en las que claro, hay mucho espacio para la improvisación, y los cuatro aprovechan sus momentos para hacer sonar notas desnudas ante la nada y que estas se paseen y se incrusten si es necesario.

Aunque para mí (muy subjetivamente) el protagonista de esta grabación es el baterista Tomas Fujiwara. Hace unos meses ya reseñamos su último disco a dúo con el cornetista Taylor Ho Bynum y ya me dejó bastante tocado. Es un no parar en toda la grabación. Te paras a escuchar la batería y quedas perplejo ante la avalancha de notas que percute. Pero no es una avalancha sin más, la palabra matiz llega a su esplendor. No hay demostración de técnica ni mucho menos. Hay mucha inventiva pero siempre acompañando a sus compañeros, incluso diría que es algo discreto. Notas la rítmica y su empuje pero solo puedes escuchar el global de su trabajo si te paras a analizar. Quedo a la espera de escuchar su inminente Variable Bets (Relative Pitch Records, 2014) trabajo como líder a trío con Ralph Alessi (trompeta) y Brandon Seabrook (guitarra).

Reverse Blue. Puede que cada tema sea la interpretación de una tonalidad diferente de color azul. Y tiene sentido ya que, aunque cada tema sigue por derroteros muy diferentes, el disco funciona como algo global, como un disco que hay que escuchar de principio a fin. Claro que se pueden escuchar los temas por separado y disfrutarlos, pero escucharlos seguidos es mucho más gratificante. Un disco muy recomendable.

Reseña escrita para Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz

 © Jesús Mateu Rosselló, 2014

Mary Halvorson: Reverse Blue

Músicos: Mary Halvorson (guitarra) Chris Speed (saxo y clarinete) Eivind Opsvik (contrabajo) y Tomas Fujiwara (batería)

Temas: 1. "Torturer's Reverse Delight" (Halvorson) 2. "Reverse Blue" (Halvorson) 3. "Insomniac's Delight" (Fujiwara) 4. "Rebel's Revue" (Opsvik) 5. "Hako" (Halvorson) 6. "Ego Man" (Halvorson) 7. "Old Blue" (Halvorson) 8. "Ordered Thoughts Ceased" (Halvorson) 9. "Really OK" (Speed) 10. "Resting on Laurels" (Opsvik)

Grabado el 6 de diciembre de 2013. Publicado en 2014 por Relative Pitch Records

sábado, 15 de noviembre de 2014

Tarbaby with special guests Oliver Lake & Marc Ducret: Fanon (RogueArt, 2013)

Tabarby with special guests Oliver Lake & Marc Ducret: Fanon



Mi imaginación, guiada por la música, ha creado diferentes estados de ánimo, diferentes paisajes descritos con crudeza, con violencia… incluso he percibido destellos de terror… todo ello en diferentes escenarios… he creado incluso escaleras en las que era difícil poder llegar a la cima. Una vez en la cumbre, la satisfacción. Así mismo he transitado por caminos bien marcados, siguiendo la lógica y el sentido para poco a poco ir saliendo y viajar campo a través durante un espacio de tiempo concreto, sintiendo la libertad, sintiendo el aire fresco en la cara. Cuando ha sido conveniente he vuelto al camino imaginado para llegar al final y concluir. Y es que Fanon es un disco que estimula los sentidos, hay que involucrarse para poder percibir y sentir lo que desprende.

El trío compuesto por Orrin Evans al piano, Eric Revis al contrabajo y Nasheet Waits a la batería amplía su formación con dos colaboraciones especiales para la grabación de este trabajo, el gran Oliver Lake al saxo alto (efectivamente, uno de los fundadores del World Saxophone Quartet junto a David Murray, Julius Hemphill y Hamiet Bluiet) y Marc Ducret a la guitarra. Conforman de esta manera este quinteto ocasional y graban este disco para el sello RogueArt publicado en el año 2013 (aunque grabado en 2011)

Hay que mencionar que el título y el concepto del trabajo, está basado en la figura de Frantz Fanon. Revolucionario, psiquiatra, filósofo y escritor cuya obra fue de gran influencia en los movimientos y pensadores revolucionarios de los años 60 y 70 del siglo XX. En el libreto se menciona el libro “Los Condenados De La Tierra” escrito por Fanon que “fue un libro clave para Ernesto Che Guevara, para los Blacks Panters y, en general, para todos cuantos intentaban derrocar a un gobierno por la fuerza de las armas (o bien eran solidarios con ellos). Pero también fue una lectura fundamental para la Internacional de Resistencia a la Guerra y para multitud de grupos no violentos, conscientes de que era un libro fundamental sobre lo que llama la violencia espontánea”*. Pero quiero aclarar que para esta reseña, hice las escuchas del disco sin conocer esta información por lo que las sensaciones del mismo van por otros cauces. Basándome únicamente en la música. Aunque me parece muy enriquecedor enfocar próximas escuchas aplicando la nueva información.

Los músicos realizan un trabajo minucioso y preciso. Y es que estamos hablando de un quinteto de lujo en el que además, nadie quiere destacar por encima de los otros, no hay demostraciones inconmensurables de técnica (que la tienen) pero ojo, hay un trabajo excepcional de cada uno de los músicos, tal vez se podría destacar al baterista Nasheet Waits, que está a un nivelazo en todo el disco haciendo un trabajo llenísimo de matices y siempre buscando diferentes sonoridades. Y por qué no, Oliver Lake, como grandísimo del saxo, está también en estado de gracia. Pero lo dicho, me parece que todos están a un nivel espléndido. Y es que te pones a mirar las discografías de los cinco músicos y te quedas con la boca abierta, absolutamente todos han formado parte de grandes conjuntos. Y en este trabajo no bajan para nada su nivel y conforman esta selección de once temas, y dentro de estos encontramos muy buenas composiciones (las autorías de las cuales están muy repartidas) y excelentes improvisaciones. Y como se puede imaginar, estas rompen los esquemas de lo ortodoxo y como decía anteriormente, te guían y transportan, y te hacen partícipe si estás dispuesto. Sencillamente un disco excelente.

Como dato curioso, el sello RogueArt utiliza el mismo diseño de portada para todas sus publicaciones. Como pueden observar en la carátula, es un diseño muy simple pero muy elegante. Y la verdad es que es un contraste curioso ya que los discos que van publicando son muy libres en el aspecto musical. ¿Tal vez se intenta proteger cualquier tipo de prejuicio aunque solo venga desde la vista? No lo sé, lo que está claro es que hay muy buen criterio eligiendo los músicos.

Reseña escrita para la revista digital Tomajazz Enlace: Reseña en Tomajazz

© Jesús Mateu Rosselló, 2014

Tabarby with special guests Oliver Lake & Marc Ducret: Fanon

Músicos: Orrin Evans (piano) Eric Revis (contrabajo) Nasheet Waits (bateria) Oliver Lake (saxo alto) y Marc Ducret (guitarra)

Temas: “Small Pieces… Tiny Pieces” , “Black Skin White Mask” , “Fanon” , “Between Nothingness And Infinity” , “The Re-Created Man” , “Is It Real” , “O My Body” , “Liberation Blues” , “FLN Stomp” , “…Shall We Not Revege?” y “One Destiny”

Grabado por Katsuhiko Naito en Brooklyn Recording Studio and Systems Two Studio (New York, USA) en el mes de Septiembre de 2011.

Editado por RogueArt

*Texto extraído de un artículo de Josep Torrell publicado en la página web www.rebelión.org enlace: http://www.rebelion.org/noticia.php?id=118788 en relación al documental: "Frantz Fanon, memoria de asilo" de Abdenour Zahzah y Bachir Ridouh.

domingo, 9 de noviembre de 2014

Banda Sonora: I Can't Go To Sleep (Wu Tang Clan - del álbum The W, 2000)

(Banda Sonora. Sección para dar a conocer las canciones que considero forman parte de mi vida o sencillamente aquellas que me producen una sensación especial)

Wu Tang Clan: I Can't Go To Sleep (del álbum The W, 2000) feat. Isaac Hayes

En mis años de fracaso de bachiller recuerdo haber escuchado este tema trescientas mil veces. Recuerdo buscar la letra (la web era www.ohhla.com) y después intentar traducirla (con algún traductor, que mi inglés era y es nulo). Recuerdo que me impactó muchísimo ya que no se trata de un tema para nada habitual en el mundo del rap, es más bien un especie de versión del tema "Walk On By" de Isaac Hayes (que también participa) y que por cierto, no descubrí hasta muchos años más tarde (que era una versión me refiero). La exposición del tema, la intensidad de la música, el rapeo-flow utilizado, y sobretodo la letra.... para mi es una pequeña joya en la discografía de estos ninjas del rap.


"Don't kill your brother, learn to love each other
Don't get mad.. cause it ain't that bad
Look at who you are.. you've come so far
It's in your hands, just be a man
Get the jelly out your spine!
Cobwebs, out of your mind"

Enlace letra en Ohhla.com: I Can't Go To Sleep
Enlace video: I Can't Go To Sleep
Wu Tang Clan : I Can't Go To Sleep


Isaac Hayes: Walk On By
 Enlace video: Walk On By

lunes, 3 de noviembre de 2014

Marco Mezquida Trío (XIV Festival Alcudia Jazz. 27.09.2014)

XIV Festival Alcudia Jazz
  • Lugar: Auditorio de Alcudia
  • Fecha: Sábado 27 de Septiembre de 2014. 22:00
  • Formación:
    Marco Mezquida: Piano
    Marko Lohikari: Contrabajo
    Carlos Falanga: Batería
Marco Mezquida Trio
Marco Mezquida hace tiempo que ha dejado de ser una promesa para convertirse en una realidad. En los últimos años se ha consagrado perfectamente en la élite del jazz y a día de hoy es un pianista solicitadísimo. Aparte de sus proyectos como líder, como el Marco Mezquida Trío o su fértil piano solo, forma parte de múltiples formaciones tanto como sideman como co-líder, ahí están ejemplos como el nuevo y flamante quinteto de Ernesto Aurignac, el cuarteto de Julián Sánchez, el trío de Juan Pablo Balcázar, los duetos con Jorge Rossy, Massa Kamaguchi, Celeste Alías y un larguísimo etc de colaboraciones de altura. Esta noche actúa dentro del XIV Festival Alcudia Jazz acompañado por sus dos amigos y compañeros (como el mismo presenta) Carlos Falanga a la batería y Marko Lohikari al contrabajo.
Marco Mezquida reflejo byn
En relación a estos dos músicos, hay que comentar que Carlos Falanga está dentro de la movida barcelonesa (al igual que Mezquida) y es uno de los bateristas más activos. Precisamente me comenta acabado el concierto que la última semana ha sido de absoluta locura para él realizando siete actuaciones seguidas, una de ellas con la Orquestra Sinfónica y Coro del Gran Teatro del Liceu interpretando West Side Story (con solo tres días para estudiar las partituras). También abre cada miércoles las Jam Session del imprescindible bar-local Robadors 23 de Barcelona, aparte de tener otros muchos proyectos en camino. Y en relación a contrabajista Marko Lohikari la verdad es que tengo poquísima información y eso que vive en Mallorca desde hace unos tres años. Por lo que he podido descubrir, antes de venir a la isla estuvo viviendo en Barcelona colaborando con multitud de artistas, entre ellos Albert Vila, Marc Miralta, Victor de Diego, Oscar Peñas, David Xirgu… Todos de sobrada calidad. Y visto lo visto, sin duda es un muy buen contrabajista.
Una vez bien digerido y asimilado el concierto de Dorantes hace escasas dos semanas en el mismo recinto y también dentro de la programación del XIV Festival Alcudia Jazz, estoy preparado para enfrentarme al trío de este magnífico pianista.
Marko Lohikari
Empieza el concierto con una breve introducción a piano solo para seguidamente enlazar con una versión del standard “Let’s Cool One” del gran soñador de notas Thelonious Monk. Y la versión es puro swing. Del que no puedes dejar de moverte. Mezquida realiza improvisaciones con una soltura y una elegancia fuera de serie, y como es evidente, no hace nada parecido al estilo Monk (el inimitable), claro que suena la melodía conocida, pero todo pasado por el filtro Mezquida Trío. Y las intervenciones de Falanga y de Lohikari son contundentes, músicos muy consagrados que se sienten comodísimos. Acabado este tema tan swingueante, Marco Mezquida cambia el chip completamente y realiza otra introducción a piano solo, pero en esta ocasión de corte muy clásico (refiriéndome a la música clásica) y es que la formación del pianista sale a flote y la verdad es que deslumbra, imagino que es pura improvisación para poco a poco enlazar con el tema “Dama De Nit” del primer disco del trío My Friend Marko (Fresh Sound New Talent, 2013)… bella melodía, bella interpretación e improvisación. Cada pulsación es la justa para expresar algo, no hay nada artificioso ni nada parecido, es la belleza en forma de música. Siguen con “Checkpoint Charly” y “My Lady Loves Me In E-Flat” todas del mencionado disco y llegado a este punto, hay que incidir en un aspecto. Hablando con los amigos de Jazzinmallorca y con Jose Luís Luna, que han podido asistir a unos dos o tres conciertos más del trío en un breve espacio de tiempo, me comentan que hay un mundo entre cada concierto, es decir, coincidiendo algunos temas, estos se transforman cada vez que son “interpretados” y siguen cursos muy diferentes. Y no solo en estos temas, también en el global del concierto. Imagino que todo influye. El recinto, el estado de ánimo, el cansancio, la alegría, la estimulación propia o ajena… pues bien, los temas mencionados brillan en todo su esplendor. Los músicos acuden a las melodías compuestas, salen de estas para mirarlas desde la distancia, y desde la distancia, pueden recoger algunas de las notas y las pueden ejecutar haciendo que la melodía se intuya pero suene transformada en otra cosa. A mí personalmente me dejan conmocionado.
Carlos Falanga solo
Sigue el concierto y ojo porqué Mezquida presenta “Menguant”, tema compuesto el día anterior. Y Antes de empezar, Marco explica que ha entregado la partitura a sus compañeros el mismo día del concierto, por lo que hace escasas horas. Pero estos músicos son todo terreno y se acoplan a la partitura sin problemas (más bien diría lo contrario, hay estimulación) y el acompañamiento que realizan es acorde a la composición. Posiblemente grandísima parte del tema es improvisado, pero los tres músicos tienen aquel don que hace que todo lo que sale de sus instrumentos se acople y suene de maravilla. Ya son cinco años de actividad conjunta por lo que se conocen a la perfección (¿telepatía?). Siguen con el tema “Always late” nuevamente de My Friend Marko y el tema entra por mis oídos como una exhalación. Uno de los mejores momentos de la noche. Gran tema a gran velocidad. Un disfrute. “Lluna Nova” y “Agusti For President” cierran el concierto. La primera, al igual que “Menguant” es una nueva composición y la segunda es el homenaje que realiza el trío a uno de los máximos exponentes del jazz y de la libre improvisación en España, el gran Agustí Fernández que por cierto fue profesor de Marco Mezquida y Carlos Falanga en el ESMUC de Barcelona. Y el tema es uno de los más free de la sesión con momentos de libre improvisación absolutamente geniales en los que se desenvuelven perfectamente bien. Un homenaje precioso a este grandísimo músico. Al final del tema, Carlos Falanga se queda solo en el escenario realizando un solo de batería bastante largo (tal vez unos cuatro minutos) en los que no hay nada de grandes estruendos ni grandes demostraciones de técnica ni nada parecido, más bien son unos minutos de improvisación calmada, desarrollando muy buenas ideas con sumo relax hasta que vuelven a entrar sus dos compañeros y realizan el único bis del concierto. Y sorprenden con una versión de “Tree Little birds” de Bob Marley. Y como podéis imaginar, es una versión absolutamente libre en la que se escucha perfectamente la melodía archiconocida pero los tres músicos transforman por completo el tema haciendo que suene a ellos, dando su esencia y convirtiendo lo que era reggae en jazz (o no, según se mire). Durante la intervención Marco Mezquida coloca dos panderetas encima de las cuerdas del piano. Él mismo me explica que las coloca en un lugar estratégico del arpa para crear un sonido metálico que se produce por vibración con el martilleo/percusión de las cuerdas. Busca nuevas sonoridades para enriquecer su música y lo consigue con creces. Y efectivamente, suena de maravilla.
Marco Mezquida pandereta
Acabado el concierto, de casi dos horas de duración, hablo brevemente con los tres músicos. Desprenden humildad y amor por su música. Espero que este trío nos depare más entregas tanto discográficas como en directo. Es un placer para los sentidos.
Crónica escrita para la revista digital Tomajazz Enlace: Crónica en Tomajazz
Texto  © Jesús Mateu Rosselló, 2014
Fotos © José Luis Luna Rocafort, 2014